The Great Hall

Mis disculpas

2010-07-07T16:29:00.002+02:00

La verdad es que ya no quiero escribir más entradas de este estilo, disculpándome por no mantener el blog al día. La razón por lo que esto ha ocurrido es mi estancia en Inglaterra durante los últimos nueve meses. Evidentemente tenía muchas prioridades por encima de este blog y Guayaba 2600. Pero es una pena no mantenerlos activos, ya que me encanta publicar en ambos.

Ahora dispongo de algo más de tiempo para retomarlos, pero tengo que advertirles que no puedo dedicarles demasiado y las actualizaciones no serán muy frecuentes, pero irán apareciendo. Los motivos para esto no son solamente "cosas de la vida" como los estudios, las aficiones y, con un poco de suerte, el trabajo. Se trata de otro proyecto, otro blog. ¿Por qué le habría de dedicar más tiempo a ese blog que a este?¿Realmente voy a publicar con frecuencia en ese otro blog? Yo diría que sí, ya que es mucho más serio. Será un blog de cine escrito en inglés en el que reflexionaré sobre técnicas narrativas, producción cinematográfica y escribiré algunas críticas. Es un proyecto que considero muy importante dada su cercanía a mi proyectada carrera profesional. Teniendo en cuenta que de aquí en un año estaré realizando un máster en guión en Nueva York, me entusiasma ir compartiendo algunas de mis impresiones sobre cine a través de ese futuro blog. Y lo haré en inglés porque así podré llegar a un público mayor, aparte de ser el lenguaje en el que más he estudiado y estudiaré sobre producción cinematográfica.

¿Qué será de este blog entonces? Bueno, me gustaría seguir publicando entradas de vez en cuando en español, así que en principio no quedará totalmente abandonado. Lo seguiré dedicando a varios temas. Y en cuanto a la que iba a ser la próxima entrada, el análisis de Franklyn, mucho me temo que he perdido para siempre el cuaderno en el que tenía todas las notas que fui tomando sobre la película, así que ahora tengo que empezar otra vez con todo el proceso, con lo que probablemente la próxima entrada tratará sobre algo distinto. De hecho, como el nuevo blog tratará sobre cine, la sección de análisis cinematográfico ya no tiene cabida aquí, salvo algún que otro cross-post que puedo hacer de vez en cuando (previa traducción, obviamente). Aun así me gustaría conservar la otra sección de cine, la humorística. Ya veremos.

Así que os dejo por ahora y pronto volveré con actualizaciones menos frecuentes pero regulares al fin y al cabo. Y si alguna vez dispongo de más tiempo, pues puede que salgan unas cuantas actualizaciones en un pequeño margen de tiempo, ¿quién sabe?

Nos leemos.

Bienvenidos a un día más tras el fin del mundo

2009-08-29T08:48:00.009+02:00

No es ningún secreto que muchas grandes obras de ficción ambientadas en el futuro tratan en realidad sobre problemas del presente. Al fin y al cabo, el porvenir todavía no lo conocemos. Las ambientaciones futuristas básicamente permiten tomar conceptos, ideas y situaciones existentes en el presente y llevarlas al extremo con el objetivo de especular o advertir sobre sus posibles consecuencias o para ilustrar cómo se puede manejar o cómo puede resultar un conflicto o amenaza actual. Esta es solo una de las caras de la moneda, ya que también es posible especular con los efectos positivos de ciertos conceptos.

Además de este tipo de temas principales, una obra de este género suele incluir otros secundarios o menos desarrollados que, no obstante, están presentes a lo largo de esta y contribuyen a su contenido filosófico. La combinación de estos en el subgénero de la ficción post-apocalíptica (PA), es algo que ejerce una particular fascinación sobre mí y merece la pena echarle un vistazo y reflexionar sobre ella.

Una de sus características principales es que, al haberse arrasado el mundo y reducirse drásticamente su población, la humanidad tiene la oportunidad de empezar de nuevo, para bien o para mal.

Esta destrucción es debida en muchas situaciones a una guerra nuclear a escala global, como es el caso de The Road Warrior (George Miller, 1981), conocida también como Mad Max 2. La primera parte era una modesta película de serie B que no contó con el presupuesto necesario para realizar la visión que el director tenía del PA y no se explica cómo llegó el mundo a ese estado (aunque nos muestra que los abogados, al igual que las cucarachas, han sobrevivido al holocausto nuclear). En la segunda, sin embargo, los temas están mejor desarrollados y la ambientación mucho más lograda, con el mundo convertido en un enorme yermo en el que la gasolina es el bien más preciado. La explicación de esto es que, en el pasado, el consumo de combustible y otros recursos fue tal que empezaron a escasear y el mundo entero se enzarzó en una guerra brutal por el control de estos, resultando en una oleada de destrucción nuclear a escala global que cambió la faz del planeta. De este modo, surge un nuevo comienzo para la raza humana, aunque para esto haya sido necesario el sacrificio de la mayor parte de esta.

En el camión, detrás de Max, se lee: "Las alimañas han heredado la Tierra". Esto es una señal de hasta qué punto el desierto en que se ha convertido nuestro planeta está en manos de salvajes.

En el caso concreto de la segunda entrega de las aventuras de Max, el hostil desierto en que se ha transformado la Tierra sirve como escenario para un importante tema surgido de esa oportunidad de empezar de nuevo: la degradación de la humanidad hacia el animalismo.

Lo vemos claramente en el comportamiento de los villanos: un montón de bandidos brutales e inmorales que toman lo que quieren por la fuerza, que gritan y aúllan como locos y se divierten con el sufrimiento de los demás. Cuando uno de ellos es herido, sus propios compañeros se ríen de él en lugar de intentar ayudarlo. Cuando capturan a algunos de los guardianes del depósito de combustible, los torturan públicamente sin piedad para inspirar terror en sus familiares. Incluso el propio aspecto de los bandidos es bestial, con sus decoraciones de plumas, pieles, cuero y motivos animales. Cubren sus caras con máscaras y otros accesorios, ocultando más sus rasgos y su humanidad. Y el más bruto de todos, el de aspecto más depravado, es precisamente el jefe: Lord Humungus. Obsesionado por hacerse con la gasolina del depósito, no sólo organiza los ataques, las torturas y las demostraciones de fuerza, sino que intenta negociar con los guardianes del depósito mientras los espectadores vemos claramente que su intención es traicionarlos en cuanto bajen la guardia y quedarse todo el combustible para sí. Su aspecto y personalidad demuestran que la jerarquía de los bandidos se decide en base a la fuerza y la brutalidad.

A la derecha, el brutal Humungus tratando a su lacayo como lo que es en esencia: una bestia.

La instancia más desesperanzadora de este animalismo, no obstante, es quizá la que encarna el niño salvaje. Siendo pequeño y, por tanto, formando parte de la generación humana más reciente, asusta ver que se comporta tal cual como un animal, sin ser siquiera capaz de hablar y estando envuelto en pieles. Acostumbrado al barbarismo de los yermos, el niño no duda en enfrentarse a los bandidos con su afilado bumerán metálico, sin inmutarse cuando les causa heridas graves. Inlcuso Max, que llega a desarrollar cierta afinidad con este personaje, se comunica con él como si fuera un can; el protagonista se entiende mejor con su propio perro, de hecho. De este modo, el chico simboliza la máxima expresión de la reducción de la condición humana al animalismo: lo que nos espera en el futuro tras haber arruinado nuestro mundo es convertirnos en unos animales salvajes sin moralidad y perdiendo aquello que nos hace humanos.

Pero no todo está perdido. Al final de la película, el narrador desvela que él, ya mayor y líder de una poderosa tribu, fue el niño salvaje. Su contacto con Max le dio esperanza cuando era pequeño y le sirvió para establecer una conexión personal con los miembros del campamento del depósito, con lo que renegó de su condición animal y se convirtió en un hombre sabio que guía a una tribu de gente civilizada, en oposición a los bandidos.

El propio Max posee una caracterización "gris". Es el protagonista, el héroe. Pero no es un hombre lleno de virtudes. Su aspecto, con su ropa de cuero negro, tiene más en común con el de los bandidos que con el de los guardianes. Es más: como se ve en la primera entrega, Max es un ex-poli, al igual que muchos de los bandidos; averiguamos a través de las palabras de Humungus que estos hombres sufrieron traumas en algún punto de su vida y así es que su psique cedió ante ellos, cosa que también le ocurrió a Max tras el asesinato de su novia y su hijo en la primera película. Es un hombre que se tortura a sí mismo y que rechaza constantemente la compañía de los demás, incapaz de formar lazos ya sea con la gente civilizada o con los salvajes. Sin embargo, su gran diferencia con los bandidos, es que se trata de un hombre recto, honorable, que cumple sus promesas y respeta sus contratos. Es un fiero superviviente que no se ata a nada salvo a su propia vida, y al que todavía quedan algunos rasgos de humanidad, un buen perfil para sobrevivir en el mundo hostil que el propio hombre ha creado. Asusta, la verdad.

Además de haber creado escuela en cuanto a ficción post-apocalíptica, The Road Warrior es una magnífica película de acción como no hay otra en su género.

Una famosa novela breve explora también la ruptura de lazos entre las personas y su proximidad a los animales en un escenario post-apocalíptico. Se trata de A Boy and His Dog ("un chico y su perro"), de Harlan Ellison (que también se adaptó al cine y a la novela gráfica). En esta obra, los supervivientes residen en bóvedas selladas bajo tierra, ya que la superficie está contaminada por la radiación y llena de peligros como bandidos y mutantes. Y por ella deambulan Vic y Blood, respectivamente el chico y el perro del título. El can es el resultado de un experimento genético desarrollado durante la carrera armamentística que condujo a la Cuarta Guerra Mundial (que estalló en 2007), con lo cual es telepático y puede comunicarse con su dueño y actúa como mentor de este.

Irónicamente, es el animal el que instruye a la persona en este caso, y quien intenta enseñarle a controlarse y ser más sensato.

Lo que mueve a Vic es su deseo sexual: vaga por los yermos en busca de mujeres (que escasean porque la mayoría de supervivientes de la guerra eran soldados que se encontraban luchando fuera de casa mientras sus hogares eran bombardeados) para forzarlas a tener sexo con él. Esto rebaja al chico a sus instintos más primarios y lo acaba metiendo en un buen lío en el que el propio perro demuestra tener más seso que él. Una joven con la que se acuesta conduce a Vic a la bóveda en la que vive, metiéndolo en una conspiración y dejando a Blood fuera, en los yermos, que fue lo bastante listo para desconfiar de la muchacha. El consejo que rige la vida en la bóveda pretende usar al chico para extraer su esperma y fecundar a un número de mujeres, tras lo cual será enviado a un lugar llamado "la granja" por no tener más utilidad. Aquí vemos cómo los propios seres humanos se deshumanizan unos a otros, en este caso tratando a Vic como si fuera un simple animal para luego deshacerse de él. Parece injusto que se le quiera dar semejante trato por parte de otras personas, pero aún hay más. La chica que lo llevó hasta allí (en la que él sigue interesado) le ayuda a escapar y salen a la superficie, encontrándose con que Blood, que ya va mayor, se está muriendo por no haber sido capaz de proporcionarse sustento. La solución de Vic para salvar la vida a su amigo es matar a la chica, cocinarla y dársela de comer al perro. El muchacho, sin reparos, sacrifica la vida de un ser humano para salvar a un animal. A tal nivel llega la humanidad tras haber aniquilado la civilización que el chico no concede importancia a la condición humana de su compañera y la sacrifica sin miramientos para salvar aquello a lo que él se siente más próximo: un animal. Como tal lo han tratado y como tal se ha comportado. Si bien, salvar a Blood no era mala opción, ya que se intuye que es probablemente el ser vivo más sabio y sensato que queda sobre la Tierra.

Estos mismos temas y otros a mayores han sido brillantemente explorados también en el mundo de los videojuegos, el medio de ficción más joven. Concretamente, en el reciente y exitoso Fallout 3.

En este título el jugador dispone de un vasto territorio a explorar: un inmenso y desolado yermo salpicado de ruinas de autopistas, puentes, viaductos, asentamientos y de la propia ciudad de Washington DC. Todavía quedan poblados en los que la gente se aferra a la vida, subsistiendo de la comida irradiada que encuentran y con problemas para conseguir agua libre de radiación. Pero también hay bandas de incursores salvajes y mutantes hambrientos que suponen un peligro mortal para quienquiera que se cruce en su camino. A pesar de estos riesgos, los yermos conforman un escenario en el que el jugador puede, en cierto modo, realizar la típica fantasía adolescente de correr libre por el mundo haciendo lo que le place, sin autoridad ante la que responder. La propia mecánica de juego anima a los jugadores a tomar uno de dos caminos posibles en cuanto a su comportamiento: ser virtuoso y honorable o ser un cabrón que toma lo que quiere cuando quiere y que no ya presta atención a los valores humanos aunque los tuviera antes (como los bandidos de Mad Max 2).

Fallout 3 crea una ambientación post-apocalíptica de las mejores que se han visto en el género. La sensación de atravesar los yermos y encontrarse ruinas de preguerra es desoladora.

Pero en este juego no solo se repite el recurso de los bandidos como seres deshumanizados y salvajes, sino que también se desarrolla otro tema que identifica a cierto grupo de personas como inhumanos que tratan a sus semejantes como animales inferiores desde el principio, es decir, ya desde antes del apocalipsis. Inevitablemente, el jugador se encontrará con los llamados súper-mutantes (sí, es un nombre bastante tonto, pero es el que hay), que son similares a humanos enormes, musculosos, caníbales y estúpidos, incluso pueden hablar... mal, pero pueden. Viendo las abominaciones que resultan de la radiación en este juego, se puede pensar que estas criaturas son una más, pero la verdad es que son un caso especial. El jugador llegará a descubrir en cierto punto de la trama principal, que los súper-mutantes son el resultado de un horrible experimento llevado a cabo en una de las cámaras subterráneas que se habían construido durante la guerra nuclear para proteger a la población civil. En este experimento, un equipo de científicos inyectaba un suero a sujetos de prueba, humanos vivos, que les sometía a una serie de dolorosísimas transformaciones físicas. El experimento falló en varias ocasiones, dejando desfigurados a los sujetos, que morían de forma lenta y e incluso cruenta. Hasta que al final resultó y los científicos consiguieron más o menos lo que querían (súper-mutantes), aunque esto se volvió inevitablemente contra ellos. Lo interesante de esta historia es que subyace la idea de que algunos humanos ven a otros no como iguales, sino como inferiores o como sujetos prescindibles y que satisfacer los proyectos propios tiene más prioridad que respetar la vida y las cualidades que nos distinguen de los animales.

Las propias bóvedas selladas que se construyeron en Fallout 3 para proteger al pueblo americano de los bombardeos nucleares y que se vendieron como tales, prometiendo la salvación, eran en realidad y desde el principio una serie de experimentos sociales llevados a cabo por científicos deshumanizados autorizados por el gobierno. En esto subyace una crítica a la hipocresía de los gobiernos de las potencias mundiales en general y al americano en particular, tratando al pueblo como un ente sin personalidad ni verdadera importancia en lugar de un conjunto de individuos con sus propias ideas, sentimientos y valores.

Lo que en la preguerra fueron lugares concurridos y cotidianos, pasan a ser simples vestigios de un modo de vida olvidado, irrecuperable si no triunfan los valores humanos.

Está claro que, de haber una guerra nuclear apocalíptica (y de hecho se considera que una guerra nuclear regional desembocaría inevitablemente en un conflicto a escala global), los culpables serían los gobiernos, así que no es de extrañar la frecuencia con que aparecen las críticas a estos en la ficción PA. No solo por causar semejante conflicto, sino por no aprender nada de él y seguir haciendo lo que les place, pasando por encima del pueblo y continuando con la mentalidad de fortalecerse militarmente.

Este es un tema presente en la película Hardware (Richard Stanley, 1990). En ella, un nómada que vaga por "La Zona Exterior" (de nuevo, un desierto lleno de radiación que ocupa la mayor parte del planeta) se encuentra con los restos de un androide desactivado. Se los vende al protagonista, Moses, que se los regala a su novia Jill, que vive en un apartamento en una de las pocas ciudades que quedan. Esta usa los restos de la máquina para hacer una escultura (pues ella es artista), rematándola con la cabeza del robot tras haberla pintado con el motivo de la bandera estadounidense. El andriode, mediante su avanzada tecnología, consigue reactivarse conectándose a la red eléctrica y ejecuta su programación: matar gente. Resulta que el cacharro es el resultado de un antiguo proyecto militar de los Estados Unidos, el Mark 13, una máquina de asesinato blindada provista de visión térmica y una variedad de armas con las que acabar con sus víctimas, además de la capacidad de alimentarse de redes eléctricas para autorrepararse. Es importante el motivo de la bandera americana en la cabeza del androide, que lo identifica con el responsable de su existencia y además simboliza la impasividad del gobierno ante el sacrificio de vidas humanas.

La bandera americana en la cabeza del androide asesino es un poderoso simbolismo. La película es muy crítica con la presión que los poderes ejercen sobre la población.

De hecho, en la ambientación de la película, la guerra no ha acabado con los gobiernos. Es más, al haberse arrasado la Tierra, sus dominios son más pequeños, facilitando el control de estos y promulgando leyes injustas, como la que impide a la gente tener hijos. En Hardware se nos presenta un gobierno americano opresor, que no tiene en cuenta las necesidades ni los lamentos de sus ciudadanos. Y aún va más lejos, pues tras enterarse de la existencia del ejemplar de Mark 13 que tantas vidas ha destruido y que tan difícil ha sido de inutilizar y que tanta efectividad demuestra a la hora de asesinar, el gobierno decide producir en masa los Mark 13. Aquí vemos su desfachatez e indiferencia ante el sufrimiento y sacrificio de inocentes provocado por el androide. Una máquina asesina y complicada de destruir ha acabado con vidas humanas; la reacción de las autoridades es: "Produzcámoslo en masa". Vemos así cómo la humanidad se condena a sí misma por segunda vez y, de nuevo, por culpa de sus gobernantes, sin que el pueblo pueda hacer nada por detenerlos. Esta idea viene reforzada por la tagline de la película: "En el siglo XXI, otra especie está en peligro de extinción: el hombre". Moraleja: mientras los gobiernos hacen lo que les place, incluso si eso supone que todos, inocentes o no, nos vayamos al Infierno, los demás no podemos hacer nada al respecto, salvo sufrir las consecuencias. Como dice Jill: "Las personas siempre actúan en contra de su naturaleza", en respuesta a la afirmación de Moses de que la raza humana tiene hijos para perpetuarse, lo cual está en su naturaleza.

Hardware es una "película de atmósfera": los entornos que crea mediante la luz, el sonido y otros elementos de escenografía cobran tanta importancia como la propia trama, que a pesar de sus mensajes, no es ninguna maravilla.

Y es que el mundo real ha estado cerca de una guerra nuclear antes y de ahí la existencia del Reloj del Día del Juicio Final (Doomsday Clock). Por supuesto, los civiles somos impotentes ante las decisiones que tomen nuestros gobiernos sobre cómo resolver una crisis o conflicto internacional y, si una guerra estalla, nos tendremos que aguantar, incluso si esa guerra, siendo nuclear, termina como creen los científicos: con la práctica e incluso total aniquilación de la raza humana.

Teniendo en cuenta los análisis que se han hecho sobre los posibles resultados de una guerra nuclear, es sorprendente ver cómo se repite el motivo del yermo, del desierto en la ficción PA. Si se detonasen suficientes armas atómicas como para provocar una destrucción tal que arrasara la Tierra, los restos de todo lo que se quemase y volatilizase formarían tales cantidades de humo y tan espesas, que este acabaría en la estratosfera bloqueando la luz del Sol y, al encontrarse sobre las nubes y, por tanto, no poder ser disipado por la lluvia, provocaría una caída en picado de la temperatura global y se produciría el llamado invierno nuclear. Las condiciones serían no aptas para la vida debido al frío. Algunos científicos creen que tal destrucción podría incluso relegar a los supervivientes a un nivel tecnológico pre-medieval durante siglos.

Pero en fin, lo único que podemos hacer es esperar que los gobiernos tengan la sensatez de no llegar a tales extremos y esperar que las obras de ficción post-apocalíptica sirvan de lección filosófica en cuanto a las consecuencias de una guerra tan brutal y nos recuerden que la salvación de la humanidad depende de que respetemos los valores que nos identifican como individuos de raza humana, algo que las obras aquí analizadas nos recuerdan una y otra vez.

Si la Tercera Guerra Mundial es librada con armas nucleares, la cuarta lo será con arcos y flechas. - Lord Louis Mountbatten.
No sé con qué armas se combatirá en la Tercera Guerra Mundial, pero sí que la Cuarta Guerra Mundial se librará con palos y piedras. - Albert Einstein.

Ciudad de enamorados, ciudad de... ¿barqueros?

2009-08-29T04:39:00.002+02:00

A pesar de mi gusto por la etimología de los nombres utilizados por J.R.R. Tolkien en su obra, que hunden sus raíces en el fascinante Englisc, esta vez voy a cambiar de situación y explicar el origen etimológico del nombre de un lugar muy real.

París procede de la tribu celta que fundó la ciudad entre los años 250 y 200 a.C., los Parisii. Tras la victoria de los romanos en Alesia en 52 a.C., Julio César tomó la ciudad, la llamada Civitas Parisiorium (Ciudad de los Parisii) y la rebautizó como Lutetia Parisii, siendo el primer término la forma abreviada de Lucotelia, que era el nombre que recibía la isla del Sena (hoy en día la Île de la Cité). A pesar de que los romanos la dominaron durante siglos y se refirieron a ella como Lutetia (Lutecia), el nombre de los Parisii persistió.

En cuanto a este último, The Atlas of True Names se remonta a sus orígenes para identificar el significado de París como "Ciudad de los Barqueros".

Un piano en la nieve.

2009-08-24T23:14:00.006+02:00

Es lo que aparece en una de mis portadas favoritas, la del intimista álbum de Supertramp de 1977 Even In The Quietest Moments. En él podemos encontrar el exitoso sencillo Give a Little Bit, la romántica Downstream y la suite Fool's Overture, que incluye un sampler de un discurso de Churchill. Precisamente, en el piano de la portada aparece una partitura bajo el título de Fool's Overture, pero en realidad no tiene nada que ver con ella, sino que corresponde al himno nacional americano: The Star-Spangled Banner.

Bonita ¿verdad? La elegancia del piano de cola aproximada al absurdo al aparecer en un contexto que no le es propio: un exterior, sobre la cumbre de una montaña y cubierto de nieve. No es ningún montaje: el lugar sobre el que se tomó la fotografía se encontraba cerca del estudio de grabación Caribou, así que pusieron allí un auténtico piano y lo cubrieron de nieve de verdad.

Otra portada que me encanta, del mismo grupo, es la de Breakfast In America, de 1979. Es especialmente hilarante cómo el plato con el desayuno representa la zona de Battery Park.

Michael Doud fue el encargado de diseñar esta portada. Puso a Kate Murtagh en el papel de la Estatua de la Libertad con un zumito en vez de antorcha y el menú en la otra mano, y creó esa surrealista versión del sur de Manhattan, apilando cajas de cereales para recrear las Torres Gemelas, por ejemplo. En un restaurante llamado Bert's Mad House se tomó la fotografía de la contraportada, en la que aparecen los miembros del grupo haciendo como que desayunan... de aquella manera.

Os dejo el tema que cierra el Even In The Quietest Moments, que no es otro que Fool's Overture:

El Roto.

2009-08-23T19:30:00.008+02:00

Hoy le dedico una breve entrada al dibujante Andrés Rábago García, que actualmente publica viñetas satíricas en el diario El País bajo el pseudónimo de "El Roto", aunque respondía al de "Ops" durante la dictadura franquista, período durante el que publicó en la revista Hermano Lobo y posteriormente colaboró en publicaciones como La Codorniz, El Jueves, Pueblo, Diario 16, etc.

En sus viñetas, siempre individuales, refleja la realidad social y política, sobre la que realiza una crítica amarga e irónica mediante la sátira. Pone de manifiesto las numerosas contradicciones que plagan la vida en este contexto y expresa una serie de verdades atrevidas que sintetiza en una imagen y pocas palabras (e incluso sin ellas) de forma concisa e ingeniosa; probablemente sea la forma más efectiva e impactante de expresar las mencionadas verdades.

Algunas de las citas más impactantes de sus viñetas incluyen:

"Antes votaba por lo que esperaba que hicieseis; esta vez votaré por lo que vi que hicisteis".
"El compromiso de cumplir algún mandamiento sería un interesante programa electoral".
"El que no haya derecha ni izquierda, no significa que no haya arriba y abajo".
"Los textos sagrados los escribe Dios, pero los interpreta el diablo".
"¡Pues claro que suben los precios! ¿Qué creíais que era sino crear riqueza?".
"Según mejora el clima económico, empeora el ambiental".
"Lo más interesante de cualquier informe es quién nombró a los expertos".

Working in the background.

2009-08-20T20:21:00.003+02:00

Me disculpo por el ritmo ligeramente más lento que ha adoptado este blog en las últimas dos semanas, pero hacer papeleo para irse de Erasmus, asistir a fiestas y preparar dos exámenes para septiembre son cosas que me ocupan bastante tiempo.

Sin embargo, sigo trabajando en las entradas; una de ellas, de próxima publicación, es un ensayo más bien largo y por eso me está costando un poco, pero tengo ganas de que salga a la luz, así que me aplicaré para terminarlo cuanto antes. Además, seguidamente publicaré la primera entrada de Análisis cinematográfico, aunque primero tengo que revisar la película en cuestión y tomar algunas notas. Aprovecho para recomendaros que la veáis, porque si no lo hacéis es preferible que no leáis el análisis, ya que os la destripará por completo. Y el filme en cuestión es Franklyn (Gerald McMorrow, 2008), una obra infravalorada que, no obstante tiene un guión escrito con un gran sentido de la planificación. También me centraré en por qué se la valora tan poco y por qué, sólo en cierta medida, es comprensible.

Y después de eso, además de algunas entradas breves, incluyendo las etimológicas que tanto me gustan, pondré también la primera entrega de mi sección de análisis de cine humorístico, que por fin tiene nombre: Cero estrellas.

Gracias por vuestra paciencia. Espero que estéis teniendo un buen verano.

El mejor tráiler es el tráiler breve.

2009-08-18T10:06:00.002+02:00

Resulta sorprendente de qué manera y qué rápido ha cambiado un medio de ficción tan joven como el cine en tan poco tiempo. Y no sólo lo ha hecho en términos de producción, sino también en la forma de dar publicidad a las películas. La principal manera de hacerlo siempre han sido los tráilers cinematográficos, que antes mostraban unas pocas imágenes de la película con el objetivo de decir un poco de qué iba y qué se podía esperar de ella en cuanto a contenido, dando pistas en cuanto a la trama, pero dejando su desarrollo para el filme completo, obviamente. Vamos, que si el tráiler tenía buena pinta y la historia parecía interesante, te dejaba con más ganas de ver la peli.

No obstante, últimamente veo una tendencia a hacer los tráilers 1) innecesariamente largos y 2) revelando demasiado sobre la trama de la película. Por ejemplo, basta con ver el de Shutter Island (Martin Scorsese, 2009) para perder las ganas de ver el filme completo, por la sencilla razón de que este gira en torno a un misterio que el propio tráiler destripa. Echadle un vistazo:

¿A alguien todavía no le ha quedado claro que el poli es el interno número 67? Tal y como se plantea, ese parece ser uno de los principales misterios de la trama, y lo estropean en el propio tráiler. Creo que es un detalle que deberían haberse reservado para generar más interés y sorprender al espectador en el visionado de la película, pero eso ahora ya me parece harto complicado. Después de todo lo que se ve en tráiler, no creo que ningún posible giro de la trama sea impredecible por el público. Y si lo es, probablemente resultará tan rebuscado que restará credibilidad a la historia.

Otro caso: la nueva comedia sensiblera de Adam Sandler, Funny People (Judd Apatow, 2009). He puesto el tráiler en inglés subtitulado en español porque en el doblaje se pierde toda la gracia de la entonación de Sandler y del acento australiano de Eric Bana. Vamos a ver de qué va:

http://www.youtube.com/watch?v=qsJmWVcooBo (la inserción está desactivada, me temo).

De acuerdo, tiene algunos chistes graciosos. Y la historia va de un monologuista muy bueno y divertido que tiene una enfermedad terminal. No es un mal comienzo, hay potencial para una comedia agridulce interesante aquí. Pero oh, de nuevo el tráiler va demasiado lejos y nos revela algo que sería mejor guardarse para la versión completa: el cómico se recupera y después lo que podemos esperar es... vaya, no se me ocurre el qué. El tráiler no plantea nada llamativo tras este importante giro en la trama, sólo más chistes. Para completar la información de que disponemos me permito añadir que en la versión española del tráiler hay otras escenas que no aparecen aquí. En unas se acusa al cómico de no aprovechar su afortunada y casi milagrosa segunda oportunidad para hacer algo con su vida, y en otras se le insiste a su amigo para que se acueste con una mujer (no tenemos muy claro quién, pero sabemos que se trata de una concreta). Pero eso sigue sin generar interés, ya que los giros sorprendentes de la trama ya los conocemos, y también los chistes más graciosos, con lo cual ¿qué motivación nos puede quedar para ver esta película? A mí ninguna, eso seguro.

Pero hay un caso incluso más sangrante.

Nada menos que Quentin Tarantino ha visto cómo el segundo tráiler de su nueva película, Malditos Bastardos (2009), revela no sólo un giro de la trama importante sino que la transmite como una especie de comedia.

Ciertamente, en ciertas películas de acción de Tarantino, como Pulp Fiction (1994) o Kill Bill (2003), subyace un sentido del humor irónico, sarcástico, muy negro, pero lo que vemos en pantalla no tiene ni la presentación ni la dirección de una comedia. Ese es, según parece, el caso de Malditos Bastardos, pero este segundo tráiler utiliza un tono exageradamente cómico, centrándose demasiado en los chistes y usando una música que sería más apropiada para los Beverly Hillbillies. Y además, en consonancia con los anteriores, revela demasiados detalles de la historia. El conflicto principal en la trama es claramente el estreno de la película de Goebbels, que estará lleno de oficiales nazis. Sabiendo esto, el público podría ir al cine a ver el filme completo esperando ver cómo se desarrolla este punto de interés y llevarse la sorpresa de que Hitler en persona estará en el teatro. Pero no, quienquiera que haya montado el tráiler ha preferido jodernos un importante giro en el argumento que, de no haberlo sabido, nos habría podido causar un gran impacto durante el visionado. Eso por no mencionar la breve toma del teatro ardiendo, que nos permite adivinar que allí se va a montar una gorda, cosa que era un poco predecible de por sí, pero no por ello nos tienen por qué enseñar cómo resulta. Todo esto destaca con el tono oscuro y misterioso del primer tráiler de la película, que sí está realmente bien hecho. Fijaos:

Planteamiento interesante y duración breve. Tal y como debería ser un tráiler. Y es que, como ya he dicho, a día de hoy algunos son demasiado largos. ¿No se nota en los ejemplos que he puesto hasta ahora? Pues ved el de la ultra-cutre (o cheese-tastic, como gustan de decir los anglosajones) Legion (Scott Stewart, 2010).

¡Cinco minutos y trece segundos!¡En la facultad tuve que grabar con unas compañeras todo un corto que duraba menos!¡Podrían sintetizar todo el contenido del filme en un único corto de la duración del tráiler! Al menos en este caso se trata de una obra que no tiene verdadero interés por ningún sitio y nadie se va a perder nada por ver este avance. Claro que, visto lo visto, tampoco sale ganando.

A continuación, un ejemplo de tráiler no realmente largo, pero que sí se hace largo (valga la redundancia): pertenece a una película cerda, cutre, aburrida y pretendiendo agobiar con una representación de una realidad social que se vende como realista y que, sin embargo, es más bien una imagen de la sociedad reflejada en un espejo cóncavo como los del Callejón del Gato. Toda la oración anterior es sustituible por la frase "película española". Cuando vi este tráiler en el cine no tuve claro hasta casi el final si era un anuncio, un videoclip o un largometraje:

¿Cómo es entonces un buen tráiler? Bueno, este es uno de esos casos en los que una imagen (o más bien una secuencia de imágenes) vale más que mil palabras, así que, aparte del avance bueno de Malditos Bastardos, os voy a dejar aquí algunos ejemplos de tráilers bien hechos que, con un poco de suerte, os dejarán con ganas de ver la peli en cuestión. Los voy a poner en enlace, si incrustar, para que no tarde tanto en cargar la página. Disfrutad.

The Imaginarium of Doctor Parnassus (Terry Gilliam, 2009). Increíble.

Powder Blue (Timothy Linh Bui, 2009). Misterioso y bonito.

Franklyn (Gerald McMorrow, 2008). Interesante, muy buen guión.

Vanishing Point (Richard C. Sarafian, 1971). Pagaré cinco euros si eres capaz de predecir el final habiendo visto únicamente el tráiler (no, no lo haré, pero aún así no creo que lo predigas).

Cuervo de la Tempestad.

2009-08-12T18:26:00.003+02:00

Si pensáis que el nombre de Gandalf tiene una etimilogía complicada, os equivocáis, la cosa es sencilla. Proviene de Gandalfr, nombre de uno de los enanos del Völuspá (Visión de la Adivina) de la Edda Mayor, el poema épico escandinavo que narra los sucesos que acontecen a los dioses de Asgard, incluyendo el Ragnarok. Su significado es "elfo del bastón" ("cane-elf) en inglés; la asociación con el carismático anciano es evidente. Tolkien tomó los nombres de los enanos de la Compañía de Aventureros de El Hobbit del Völuspá, con lo cual todos proceden del Old Norse. Más tarde demostraría su arrepentimiento por haber escogido estos nombres tan a la ligera.

Mi nombre es Sotomonte.

2009-08-08T07:38:00.002+02:00

O eso quiso hacerle creer Frodo Bolsón al posadero de El Pony Pisador. Pero lo cierto es que su verdadero nombre, si bien en aquel momento era preferible ocultarlo, es muy interesante etimológicamente, aunque pocos pueden superar el carisma instantáneo que cualquier persona obtendría automáticamente por llamarse Sotomonte.

En el caso del nombre de pila, este proviene del OE (Old English) fród, que significa "sagaz" o "sabio por experiencia", procedente a su vez del ON (Old Norse) fróðr, "viejo". Esto seguramente es debido a la sensatez que demuestra Frodo durante la mayor parte de sus aventuras, o quizá incluso haga referencia a su relato de la Guerra del Anillo cuando regresa a la Comarca tras haber destruido el Anillo y derrotado a Saruman, pero esto son conjeturas mías.

En cuanto a su apellido, que en la versión original es Baggins, hay dos teorías. Una de ellas dice que es básicamente una referencia al nombre de su casa, Bag End (Bolsón Cerrado); la otra considera la posibilidad de que provenga de la palabra bagging, que en el norte de Inglaterra significa "picar entre comidas", que podría ser una referencia la hábito de los hobbits de comer varias veces al día. Recordemos el famoso segundo desayuno y la asociación de los medianos con el modo de vida tradicional de la Inglaterra rural.

"El Jefe" es un dios dorado.

2009-08-07T22:52:00.006+02:00

Probablemente Robert Plant no era consciente de la fama que alcanzaría la famosa frase que pronunció desde un balcón en Sunset Strip al atardecer: "I am a golden god!" ("¡Soy un dios dorado!"). De hecho, ni siquiera se ha confirmado que la haya dicho, pero es bien conocida entre los aficionados al rock de los 70. Y fue en esta década cuando se abrió paso al estrellato a golpe de guitarra un hombre merecedor del título que Plant se concedió a sí mismo. Si bien, a él le basta con que sus propios fans le hayan apodado "The Boss".

Bruce "El Jefe" Springsteen siempre brilló con luz propia allá donde fue, y el pasado domingo 2 de Agosto en el Monte do Gozo (Santiago de Compostela) no fue menos. Hasta allí me fui para verlo dándolo todo, como un buen músico debe hacer en directo.

Siempre se ha dicho que los conciertos del rockero de Jersey merecen la pena por su duración, su calidad y su atención al público. Y no es mentira. Springsteen es un hombre que disfruta con lo que hace y que goza al máximo de interpretar su música en directo, algo que inflama los corazones de sus fans (utilizo la tercera persona, pero me incluyo) cuando ven cómo su ídolo pone el alma en ofrecer un gran espectáculo.

Inevitablemente, las malas lenguas buscan cualquier excusa para echar abajo todo esto, aunque con futilidad. Dicen, entre otras cosas, que Bruce va muy viejo, que está para el arrastre y ya no aguanta en los conciertos como antes. Incluso se han dicho disparates como que "suena a Abba sin su chispa". También decían que el concierto de Whitesnake del verano pasado en A Coruña había sido malísimo y que David Coverdale no daba de sí y cantaba fatal cuando, de hecho, canta casi tan perfectamente como en sus tiempos de vocalista en Deep Purple. Los críticos de cine, música y otros medios son, en su mayoría, unos cabrones frustrados y reprimidos o bien unos ignorantes que intentan camuflar sus inseguridades lanzando dardos envenenados contra cualquier cosa que se les pone por delante con tal de mantener su popularidad e intentar convencernos de que saben de qué coño están hablando.

Ni caso. Bruce Springsteen nació para estar sobre un escenario. Toda su vida se sintió a gusto sobre él y cerca del público y así sigue siendo a sus 60 años. No flaqueó su voz en ningún momento durante Murder Inc; no dejó de emocionarnos con la historia de Outlaw Pete, montaje de vídeo en las pantallas gigantes incluido; no edulcoró la genuina dureza rockera de Born To Be Wild; no perdió fuerza ni por un segundo durante la intensidad de la interpretación de Born In The U.S.A. No hizo ningún descanso en tres horas y cuarto. Lo que sí hizo fue sacar a una niña pequeña de entre el público al escenario para cantar Waitin' On A Sunny Day con él, leer y recoger las pancartas que le traía el respetable, dar la mano a sus fans en primera fila y burlarse de quienes cuestionan su capacidad para interpretar música con un pequeño número humorístico. Y por si todo eso fuera poco, uno de los miembros de la E Street Band nos tocó la Rianxeira para preparar el ambiente al comienzo.

Es cierto que El Jefe, a pesar de todo, nota los efectos del paso del tiempo y ya no está en tan buenas condiciones (comprensiblemente), pero eso no le priva de reunir fuerzas y liberar energía por cada poro de su cuerpo cuando la situación lo requiere.

Pagar por ver a este legendario rockero rindiendo al 100% durante más de tres horas es algo que se puede llamar "invertir bien el dinero". Es uno de los mejores artistas que se pueden ver en directo, no sólo por su capacidad para crear espectáculo y cercanía con el público, sino también por la E Street Band, que ha tocado con él casi toda su vida y cuyos músicos aún son capaces de deleitar al respetable como lo hacían años atrás.

Que mi opinión está influenciada por el hecho de que admiro muchísimo al Jefe es muy posible, pero yo, a diferencia de otros, me baso en mi propia experiencia y sé de lo que hablo. Quien sea admirador de Bruce Springsteen habrá hecho bien en ir a sus conciertos y en volver a los (probablemente) pocos que dará a partir de ahora, porque el músico americano, de forma incuestionable, conserva su capacidad para embrujar, fascinar, divertir y complacer a su público.

Long live The Boss.

Enlaces 03/08/09.

2009-08-03T21:02:00.004+02:00

De cuando en vez compartiré algunos enlaces que os pueden resultar interesantes o quizá os ayuden a matar el aburrimiento en un momento determinado. Serán una mezcla de cosas que me encuentro por la red y de marcadores que tengo en el Firefox. Aquí va la primera remesa:

Golden Age Comic Book Stories, un blog sobre cómics e ilustración de antaño.
Femme Femme Femme, blog que trata sobre la figura de la mujer en el arte, sobretodo en el pictórico.
BLDGBLOG, sobre arquitectura, urbanismo y paisajismo.
Yanko Design, diseño industrial moderno.
SUPERCARS.net.
No Good TV, televisión en inglés sin censura, muy entretenida.
io9, blog sobre ciencia-ficción con muy buena cobertura de cine, series de TV, libros, etc.

¿Quién ha visto fantasmas rosados?

2009-08-03T20:37:00.006+02:00

Conocido en Sudamérica como "boto" o "inia" (este último según los indígenas amazónicos), el delfín rosado vive en agua dulce, sobretodo en las cuencas del Amazonas y el Orinoco. Considerado un poderoso espíritu del río por los nativos, el inia geoffrensis no fue descubierto científicamente hasta 1832.

A día de hoy, todavía son pocos los hombres blancos que lo han visto. Es un animal que gusta de juguetear, pero es muy esquivo y, aunque se sabe que está desapareciendo, es complicado llevar un censo de su población. Nada en pos de aguas limpias donde encontrar los peces de los que se alimenta, procedentes de 50 especies, pero esta tarea se complica cada vez más debido al aumento de asentamientos de explotación maderera, petrolífera y de gas, entre otros males, como el mercurio utilizado por los buscadores de oro.

Los indígenas los temen como a dioses. Creen que por las noches los inias se transforman en hombres apuestos que seducen a las mujeres jóvenes. Pero esto no les lleva a odiarlos, ya que sienten un profundo respeto por ellos basándose en la creencia de que, si hacen daño a un inia, este provocará su muerte ahogándolos.

A pesar de las asociaciones que se dedican a protegerlos, los delfines rosados siguen desapareciendo, y probablemente lo hagan de la misma forma que lo hicieron los del río Yangtze: sin que la mayor parte de la humanidad haya sabido nunca de ellos.

La presencia del conejo.

2009-08-03T20:02:00.002+02:00

La semana pasada escribí una entrada sobre la etimología de la palabra "joder". Continuando en esa línea, hoy le toca el turno a una de las maldiciones más comunes del castellano: coño.

En cuanto a uso, es una palabra extremadamente vulgar que, a pesar de significar simplemente "vagina", también se utiliza como maldición o como exclamación de sorpresa, alegría, frustración y cualquier tipo de impacto o impresión en general e incluso como énfasis. Aunque los anglófonos tienen la palabra cunt con el mismo significado, lo cierto es que ellos no la utilizan como maldición, sino como insulto o para hacer referencia al sexo de la mujer. Sin embargo, en castellano ha perdido las connotaciones sexistas que conservan sus equivalentes en otros idiomas y es usado indistintamente por hombres y mujeres frecuentemente. En algunas zonas de Latinoamérica, no se usa "coño" y en su lugar dicen "concha" (y tengo entendido que, en Ecuador, pierde toda connotación sexual y significa "avaro").

Procede del latín cunnus (de ahí "cunnilingus"), que significa "conejo", un animal que simboliza la fertilidad, de ahí esta asociación con el sexo femenino (incluso a día de hoy, "conejo" se utiliza en ocasiones como vulgarismo con el significado de "vagina" o "vulva"). Ese es también el motivo por el que el símbolo de Playboy es un conejo.

Esta asociación del sexo femenino con animales peludos no es nada nuevo y puede verse en otros idiomas. Por ejemplo, en inglés se suele utilizar con esta finalidad la palabra pussy, procedente de pussycat, "gatita"; y también beaver, que significa "castor". Como curiosidad, añado que cuando una mujer que lleva una minifalda se sienta, se cruza de piernas y se ve entre ellas a lo Instinto Básico, se utiliza la expresión beaver shot ("ángulo del castor" o más bien "ángulo del coño", en el sentido de ángulo de disparo de una cámara) para referirse a esto.

Canciones legendarias del Libro de Taliesin.

2009-07-29T20:16:00.004+02:00

Uno de los mejores y más influyentes grupos de rock de la historia publicó en 1968 su segundo album, The Book of Taliesyn (título basado en la colección de poemas del siglo XIV conocida como Libro de Taliesin). Me refiero, por supuesto, a Deep Purple, autores de éxitos inolvidables como Smoke On The Water, Highway Star, Burn o Stormbringer. Quiero hablar de este álbum porque posee una de mis portadas de discos preferidas. Dibujada por John Vernon Lord, que cobró por ella 30 libras esterlinas (menos un 25% que se destina al agente), la ilustración posee una serie de elementos que se identifican con la fantasía medieval y la épica artúrica. Aquí la tenéis:

Me considero muy afortunado de poseer una edición limitada de coleccionista de este álbum en vinilo, con el disco coloreado de deep purple. Os dejo una foto para que veáis lo bonito que es:

No es una edición muy cara, aunque sí puede ser difícil de encontrar. Si sabéis de alguna tienda de música especializada de esas en las que se pueden encontrar rarezas interesantes, no dudéis en visitarla en busca de joyas como esta, ya sea de Deep Purple o de cualquier otro grupo de la época.

Y ya de paso os dejo la canción April, que no forma parte de este álbum sino del siguiente y tercero, llamado simplemente Deep Purple en 1969. Este tema es una de las muchas respuestas a la pregunta "¿Por qué el grupo formado por Ritchie Blackmore y Jon Lord es tan jodidamente bueno?".

El Rey de la Marca.

2009-07-28T15:34:00.003+02:00

Como ya sabemos, los lenguajes son la clave para comprender los rasgos de cada cultura en El Señor de los Anillos. Todo aquello que tiene nombre lo tiene por un motivo. El profesor Tolkien poseía amplios conocimientos de anglosajón (también conocido como inglés antiguo u Old English, hablado entre los años 450 y 1066 D.C.) y lingüística, así como de otros idiomas antiguos y textos germánicos precristianos (y post-cristianos, como el Beowulf). Todo esto le sirvió de materia prima para crear un universo creíble y consistente.

En el mundo ficticio inventado por J. R. R. Tolkien en su obra, hubo muchos Reyes de la Marca (reyes de Rohan), pero todos recordamos con más cariño al que luchó en los Campos del Pelennor en El Retorno del Rey, Théoden, hijo de Thengel. La procedencia de su nombre puede explicarse así de sencillamente: procede del OE (Old English) ðeoden, que significa "gobernante" o "señor". Sin embargo hay quien dice que viene de þeoden, con el mismo significado. No supone una gran diferencia, tan solo cambia la escritura, que en el primer caso es con eth (ð), que es sonora y en el segundo es con thorn (þ), que es sorda, pero ambas son fricativas dentales. Esta diferencia seguramente sea debida a que en la época del OE no existía una norma determinada, sino que se hablaban cuatro dialectos, de los cuales el West Saxon era el más extendido y fue el que utilizó el rey Alfredo el Grande en tiempos de paz para realizar sus traducciones de textos en latín a lo que él mismo denominaría Englisc.

Jodamos, que todos somos hermanos.

2009-07-28T15:19:00.002+02:00

Como todos sabemos, la palabra "joder" se considera malsonante en España y Latinoamérica, países que difieren ligeramente en cuanto a ciertas connotaciones de este significante. En ambos lugares "joder" es un vulgarismo para referirse al acto sexual, como "follar" o incluso "chingar" (aunque esta última tiene muchísimas connotaciones más), pero también tiene significados más figurativos, como "molestar" o "estropear" en España y "putear" o "vacilar" en Latinoamérica.

¿Pero de dónde viene? Se cree que procede del latín futuere, que debería haber derivado en "hoder" debido a que la "f" latina en castellano pasó a ser "h" en la mayoría de los casos, pero por algún motivo la "h" mantuvo su aspiración y terminó por palatalizarse a "j" en el ejemplo que nos ocupa.

Ha habido varios intentos de explicar el origen de futuere, pero el que yo encuentro más satisfactorio es el que dice que porcede de furar, que significa "agujerear" o, en este caso, "penetrar".

Tumblelog.

2009-07-26T15:47:00.006+02:00

Os habréis dado cuenta que ahí a la izquierda tengo, entre otras cosas, una sección de enlaces a otros blogs. Aparte de recomendaros todos ellos, os quiero llamar la atención sobre uno que aparece como "Mi Tumblr". Este es un enlace a mi tumblelog, el cual os sugiero visitar. Para quien no lo conozca, Tumblr es una plataforma de blogs que permite subir fotos, vídeos, música y texto sin límites para compartirlo con los demás. En vez de agregar amigos, como en las populares redes sociales de Internet, en Tumblr se "sigue" a la gente. Cuando tienes una cuenta, en los Tumblr de los demás aparece un botón para seguir al blog en particular, de modo que puedes ver sus actualizaciones directamente en tu panel o dashboard. También puedes "reblogear" entradas de los demás para que aparezcan en el tuyo. O siempre puedes evitar hacerte uno y limitarte a seguir los que más te gusten mediante el RSS y los marcadores dinámicos.

En el mío te vas a encontrar con que le contenido consiste en imágenes en un 99% aproximadamente. Tengo otro en el que pretendo escribir pequeñas piezas de ensayo y literatura en inglés, pero todavía no tiene entradas. Me estoy reservando un poco. Al fin y al cabo, su finalidad es que yo practique mis habilidades para escribir en inglés. Pero el que estoy usando, titulado The Clockwork Snake (un título que no tiene ni puñetero sentido y que le puse porque me salió así), lo actualizo con frecuencia con imágenes muy variadas. Básicamente son fotografías que considero bonitas y/o interesantes por algún motivo. Debido a su variedad, puede que de vez en cuando encuentres algo de tu agrado allí.

Más o menos así se ve mi Tumblr en el navegador.

Así que te animo que, cuando menos, le eches un vistazo a The Clockwork Snake y, ¿por qué no? a hacerte tu propio tumblelog si no lo tienes ya.

A Mad Tea-party.

2009-07-26T14:49:00.006+02:00

Como de costumbre, Johnny Depp vuelve a sorprendernos con un papel inusual, singular y excéntrico; esta vez en la película Alice in Wonderland de Tim Burton, basada en la famosa obra homónima de Lewis Carroll. Depp interpreta al Sombrerero Loco, uno de los personajes más memorables de la historia original. Por lo que se ve en el tráiler, me gusta la caracterización, pero hay algo que me ronda por la cabeza: si Johnny Depp es una súper-estrella que cobra millones de dólares por sus actuaciones, ¿qué cambios respecto al original habrá hecho Burton para darle más protagonismo a su actor favorito? Es decir, la protagonista principal es Alicia, sin embargo, en el cine de Hollywood, se contratan estrellas para las películas para que sirvan como reclamo, mucha gente vaya a verlas y recaudar como mínimo la cantidad necesaria para cubrir los gastos de la producción. Por eso los blockbusters suelen dar papeles protagonistas a estrellas populares. Pero en este caso tenemos a una desconocida como personaje principal y al actor mejor pagado de Hollywood como secundario. Necesariamente tendrán que haber hecho importantes cambios respecto al original en el papel del Sombrerero Loco para que Johnny Depp tenga más tiempo en pantalla.

Por lo demás, a mí me tiene muy buena pinta la película y tengo ganas de verla. El papel de Depp me parece muy atractivo y creo que va a ser memorable. Y es que el tío no para: según la IMDB, tiene tres películas en postproducción incluyendo Alicia, y se rumorea que aparecerá en Sin City 3 (en producción) y The Man Who Killed Don Quixote (preproducción). Pero aún hay más: por lo visto está involucrado de una forma u otra en un total de 15 proyectos a mayores de los mencionados, incluyendo Piratas del Caribe 4. No puedo dar más detalles por la IMDB clasifica esa información y la única forma de verla es pagar, y si creen que voy a hacerlo, es que están locos.

Os dejo el tráiler (inserción desactivada), por si no lo habéis visto todavía. Dadme vuestra opinión.

Cambios.

2009-07-25T12:59:00.002+02:00

Hace siglos que no actualizo y he estado pensando que ya va siendo hora de cambiar eso, pero en profundidad. El motivo por el que no ha habido entradas en varios meses es que tenía muchas ganas de escribir una que era larga y compleja, pero se me empezó a ir de las manos y no sabía cómo desarrollarla bien, y me obsesioné con ella en vez de ir actualizando con otras cosas.

Pues bien, he decidido que ya escribiré esa entrada cuando me salga bien y que mientras tanto actualizaré con otro tipo de cosas, pero no de la forma típica, sino con entradas más breves y frecuentes que traten temas más variados, a veces incluso banales, para mantener el blog activo y tocar los intereses de más gente, más o menos como hace Drew Mackie en Back of the Cereal Box.

Otra novedad es que voy a incorporar un par de nuevas secciones de cine, aparte de mis brevísimas reseñas, como la de Watchmen o la de Australia. La primera consistirá en análisis de varios aspectos de películas buenas (que a pesar de la subjetividad, cuando algo está bien hecho, hay que reconocerlo), centrándome especialmente en el guión, pero sin descuidar otros factores como dirección, edición y actuación; llevará el sobrio e increíblemente original título de "Análisis cinematográfico". La otra sección será humorística y tratará películas a veces claramente malas, a veces relativamente, pero será más breve y ligera que el análisis serio. Veremos qué tal funcionan las dos.

Tengo la esperanza de que esto me ayude a actualizar frecuentemente y ofreciendo más variedad, quizá animando un poco más a la gente a participar. Espero que dé buenos resultados a largo plazo, y si no lo hace, pues puedo intentar darle otro enfoque al blog o eliminarlo directamente. Porque, no nos engañemos, por muy agradable que sea ver que algunos de vosotros lo seguís y comentáis de vez en cuando, este blog no tiene muchas visitas y no es agradable estar escribiendo cosas para nada. El Google Analytics me dice que la página más visitada es la de la review de Shadow of the Colossus y, sin embargo, el promedio de tiempo en el sitio es de 53 segundos, que obviamente no es suficiente para leer una review. Hay personas que han encontrado este blog buscando un análisis de El Lago de los Cisnes, que es lo que yo hice en la entrada correspondiente, y 53 segundos sigue siendo muy poco. Así que por muy agradecido que esté a la gente que lee mis actualizaciones, si la cosa no mejora en unos meses, se acabó el blog. Intentaré evitar que esto pase actualizando como expliqué más arriba. Esperemos que funcione.

Muchas gracias a todos.

Guayaba 2600

2009-04-25T23:10:00.005+02:00

Me alegra anunciar a los lectores la existencia de Guayaba 2600, un blog en el que participo como co-creador y colaborador que trata el tema de los videojuegos como medio de ficción desde una perspectiva seria a la par que amena.

La pagina todavía está incompleta, pero ya hay varias noticias, artículos y críticas publicadas. En el futuro dispondrá también de secciones monográficas, un foro y mucho más. Pero ante todo nos entusiasma transmitir nuestra filosofía sobre los videojuegos: que son un medio de creación de ficción tan respetable como cualquier otro y que la mejor forma de comprenderlos es compartir las experiencias de juego con los demás.

En estos momentos estamos buscando escritores que quieran echarnos una mano en este proyecto, así que si el lector está interesado en el tema de los videojuegos y le apetece escribir seriamente al respecto le animo a que se ponga en contacto conmigo bien con un comentario aquí mismo, bien con un e-mail a la siguiente dirección:

poisonarrows@gmail.com

Esperamos vuestros correos.

Watchmen.

2009-03-08T00:41:00.006+01:00

A continuación, una reseña en una palabra de Watchmen (Zack Snyder, 2009):

"Infilmable".

Anexo: "visionary director my ass", pero el Comediante me encantó.

La pésima educación.

2009-01-28T11:57:00.007+01:00

Esta misma mañana me siento a la barra de un bar y mientras, como de costumbre, me preparan un café con leche doble con cantidades espantosas de azúcar (la mejor forma de empezar el día), cojo un ejemplar del periódico EL PAÍS y en portada leo el siguiente titular: "El Supremo analiza los contenidos de Ciudadanía", y en la síntesis añade: "[...]. Tras dos jornadas, hoy seguirá examinando si éstos vulneran los derechos de los padres a educar según sus convicciones". Madre mía, otra vez a vueltas con lo mismo. Pero no es el único embrollo educativo controvertido del que hablan hoy en tal periódico; en las páginas de opinión, el Catedrático de Derecho Andrés Recalde escribe un clarificador e interesante artículo de título Información y mentiras sobre Bolonia. El espantoso plan para transformar la Universidad española en un mercado y sodomizar al estudiante al mismo tiempo que le "sangran" la pasta no deja de amenazarnos y quitarnos el sueño, especialmente a aquellos que empezamos la carrera con el plan viejo y ahora tememos que, de alguna manera, el nuevo venga a agitar las aguas mansas por las que navegamos.

Son estos dos temas que están generando una gran controversia y que producen algunas posturas y situaciones tan absurdas que son prácticamente surrealistas. A continuación, expreso mi humilde opinión, pero quiero dejar claro que hablo por boca de muchos.

Educación para la Ciudadanía.

Cuando oí hablar por primera vez de la incorporación de esta asignatura al sistema educativo me pareció una idea cojonuda. Pensé: "Por fin alguien hace algo para mejorar la catastrófica educación de los estudiantes de secundaria". Lo que no me podía creer era la cantidad de reacciones negativas que había suscitado la asignatura. Por supuesto, el grito más alto lo dio la Iglesia, ¿cómo no? Entre otras lindezas, han soltado "perlas" como esta: "La marginación de la voz de los creyentes es injusta y poco democrática y favorece una imposición ideológica por parte del Estado". Vamos a ver, en primer lugar llama la atención eso de marginar la voz de los creyentes, como si la gente anduviese por ahí pasando lo que dice una persona sólo por ser creyente. Esto me conduce a pensar que esa desacreditación de la opinión de un creyente se reduce al contexto de los debates religiosos. Pero es que cualquiera sabe que la opinión de un creyente en materia de religión carece de validez por una sencilla razón: una opinión, para ser válida, debe estar apoyada por una argumentación lógica, racional; por naturaleza, el concepto de fe se opone al de razón, por lo que aquello que un creyente dice movido por la fe es automáticamente desacreditado frente a cualquier uso de la razón. Me parece de una lógica sencilla y aplastante, pero bueno, eso no impide que tengamos respeto por las creencias de los demás, desde luego. Ahora bien, hablo de respeto, pero eso es justo lo que parece que no tiene el animal que escribió eso de la "imposición ideológica por parte del Estado". Permítame el lector que destaque la pieza clave de la frase citada:

Imposición ideológica.

¿Se ha dado cuenta?¿Observa usted algo extraño en que la Iglesia critique tal concepto? Yo sí: la imposición ideológica sangrienta, cruel e inhumana que la puñetera Iglesia ha ejercido durante siglos y siglos. Practicó la esclavitud y la justificó usando pasajes de la Biblia, incluso la mayoría de los líderes cristianos hasta el siglo XVII consideraban que la esclavitud era coherente con la teología cristiana. Quemó vivas a miles de personas, sobretodo mujeres, únicamente por ser librepensadoras. Impulsó las conquistas de líderes imperialistas que arrasaron pueblos y convirtieron forzosamente a los supervivientes bajo amenaza de muerte. Impuso su ideología sobre pueblos menos avanzados aprovechando su ignorancia, convenciéndolos para abandonar sus costumbres y abrazar el cristianismo a cambio de olvidar su identidad cultural. La puñetera Iglesia ha derramado increíbles cantidades de sangre en nombre de su dios y de su Mesías para imponer sus ideas y, por lo tanto, su poder y su control. No voy a negar que la Iglesia, en otras ocasiones, ha hecho cosas buenas, desde luego, pero las suficientes para compensar toda la destrucción que ha causado ¿Y ahora se quejan de que una asignatura de secundaria enseñe a los alumnos a pensar por sí mismos y respetar otras ideologías? Por favor, es ridículo.

Pero no son sólo los religiosos quienes ponen trabas a esta iniciativa ¿Recuerdan el "golpe maestro" de Francisco Camps? Sí, ese que obligó a que la Educación para la Ciudadanía se impartiese y evaluase en inglés en la Comunidad Valenciana. Hace falta ser rastrero para hacer esto. Vamos a ver, uno de los grandes problemas de España es el inmenso desconocimiento de la lengua inglesa. Estamos hablando de una lingua franca a nivel mundial y este país es uno de los que poseen peor nivel de inglés del mundo. Y la culpa es nuestra y sólo nuestra. Es un problema que necesita solución urgente, y el animal de Camps va y decide jugar sucio aprovechando esta gran lacra del pueblo español para satisfacer su irritante capricho de boicotear una asignatura que no le gusta. Es un golpe bajo y una forma de comportarse absolutamente pueril. Y manda huevos que esto lo tenga que decir yo, que soy mucho más joven que el señor Camps. Y aún así la culpa no es toda suya. Queridos alumnos de secundaria de la Comunidad Valenciana ¿sabéis cuál es la mejor defensa contra un examen en inglés? Saber inglés. Así de sencillo. Si el 90% del alumnado suspende un examen que sigue un modelo inteligente, sencillo y maduro sólo por estar en la lengua de Shakespeare, la conclusión que se saca inevitablemente es: alumnos de secundaria españoles: no tenéis ni puta idea de inglés. Y eso en el mundo de hoy en día es muy grave. Pero claro, la culpa no es toda suya. Los gobiernos de este país no impulsan apenas iniciativas para que a los estudiantes se les enseñe inglés obligatoriamente desde una edad temprana. Sí, obligatoriamente porque es lingua franca y hay que conocerla, igual que han hecho en muchos otros países del mundo; y sí, desde una edad temprana, porque una cosa que se llama "percepción categorial", que es en la que se fundamenta el aprendizaje de un idioma concreto y que es más amplia y "flexible" cuando el individuo es un bebé. Pero es complicado que eso se llegue a hacer en un país en el que se da mucha más importancia al catalán que al propio idioma común que la Constitución obliga a conocer. Y no lo digo sólo por el catalán: los gallegos también tenemos lo nuestro con un vicepresidente de la Xunta al que le importa más el gallego que el inglés (y ni siquiera el gallego de verdad, sino uno creado artificialmente tomando elementos del portugués) y con un movimiento nacionalista reintegracionista que piensa que el gallego debe llegar a ser internacional, porque si el inglés puede ¿por qué no el gallego? Y claro, intentan impulsar (de manera infructuosa, por supuesto) iniciativas para que todo el universo y la madre que lo parió hable un código artificial basado a medias en el gallego y a medias en el portugués. Y esto lo digo como ferviente defensor de la cultura de mi pueblo y como galegofalante; pero oigan, las cosas es mejor hacerlas, como decimos aquí, con sentidiño.

Así que ya veremos qué pasa con esto, pero espero que la asignatura salga adelante y que se seleccionen los libros de texto correctos, aquellos que enseñan abiertamente a defender los derechos humanos, a tratar el sexo y las emociones como algo natural y satisfactorio y a enseñar a los chavales a ser unos ciudadanos educados, respetuosos y razonables, que falta nos hace a todos.

El proceso de Bolonia.

Los desalmados que pretenden que aceptemos esta monstruosa perversión de la Universidad nos lo pintan todo muy bonito, método demagógico por el que nos ocultan los numerosos defectos del proceso, contándonos solamente lo que nos agradará escuchar. Según estos cabrones, estamos ante una evolución de la Universidad que propiciará que casi todos los titulados con estudios superiores encuentren un trabajo con cualificación al término de sus estudios. Se nos insiste en que el proceso consiste únicamente en esto y sus otras virtudes, pero se nos está mintiendo.

La verdad es que el asunto este de Bolonia somete enteramente el régimen de funcionamiento de las universidades "a las necesidades del mercado y las exigencias de las empresas, futuras empleadoras de sus titulados", dice José Luis Pardo, catedrático de Filosofía. Se predica que el proceso es algo así como el advenimiento de la "sociedad del conocimiento", pero ¿qué conocimiento? Pues aquel que resulta de la destrucción de las doctrinas de la investigación científica para convertirlas en talentos cotizables en el mercado laboral. El resultado es la sustitución del saber por el beneficio empresarial y "la renuncia de los poderes públicos a dar prioridad a una enseñanza de calidad capaz de contrarrestar las consecuencias políticas de las desigualdades socioeconómicas".

Así es como se transforma a las universidades en mercados. Se genera la necesidad de "rebajar la cualificación de la enseñanza superior para adaptarla a las cambiantes necesidades mercantiles". De esto resulta el hecho de que habrá que seguir formando a los titulados incluso después de hayan completado su formación universitaria, es decir, que requerirán una constante recualificación, lo cual sólo es necesario para una mano de obra inepta. Dicho de otra manera: se tratará a los universitarios como gilipollas durante toda su carrera dándoles una formación poco útil de manera que necesitarán seguir estudiando después de haberse titulado para poder trabajar y seguir compitiendo en el mercado laboral. Es algo así como una continuación de la enseñanza media, que ya es bastante mala, por cierto.

Aquí salen perdiendo especialmente estudiantes como los de humanidades. La salida profesional más escogida por estos es la docencia. Y lo enunciado en el párrafo anterior les afecta de la siguiente manera en el caso concreto de los estudiantes de Filología en la UDC (Universidade Da Coruña): hasta ahora, se estudiaban cuatro años de la filología escogida (inglesa, hispánica o gallego-portuguesa) y, al terminar, se realizaba el Curso de Aptitud Pedagógica (CAP), que duraba seis meses; el plan nuevo hace desaparecer las filologías y las sustituye por dos años de asignaturas comunes de Filosofía y Letras (es decir, paja) y luego se cursan tres años de especialidad para luego hacer un CAP de (atención) dos años. Vamos, que si antes se podía ser filólogo en cuatro años, ahora se necesitan siete. Dios nos asista. Haciendo esto, los impulsores del proceso están prácticamente reconociendo de forma abierta que las nuevas titulaciones no capacitan a los estudiantes para la docencia. O sea, que serán unos inútiles, como ya se dijo unas líneas antes.

Otra táctica despreciable que la administración emplea para dorar la píldora es la de prometernos un espacio que los estudiantes podremos usar para desplazarnos por toda Europa, homogeneizando la aceptación de las titulaciones, pudiendo estas ser aceptadas por cualquier universidad europea, buscando la armonía con ellas. Falso. Fíjense en lo que nos dice Andrés Recalde (mencionado en la introducción de esta entrada): "Cada universidad establecerá sus propios planes de estudio que simplemente deberán pasar el filtro de una evaluación administrativa. Si ni tan siquiera hay uniformidad en España, ¿quién creerá que otros países europeos van a admitir los títulos de las universidades españolas?". Ya lo ve, querido lector, nos engañan como a bobos para que aceptemos esta gran chorrada de Bolonia.

Puede que haya usted leído en alguna parte que existe un pacto a nivel europeo que obliga a nuestro país a aceptar esta nefasta reforma. Pero ¿adivina qué? Exacto: es falso. El señor Recalde ha tenido a bien aclararnos que no existe "directiva, reglamento o cualquier otro tipo de norma firmada por los estados o las instituciones europeas a cuyo cumplimiento se viera constreñido nuestro país". No hay ningún pacto, ninguna norma; eso es pura semántica utilizada para hacernos creer que no podemos oponernos a la reforma. No sólo nos mienten acerca de las características del proceso, sino que además recurren a las más pérfidas tergiversaciones para enterrar nuestra voluntad de rechazar algo a lo cual estamos en pleno derecho de oponernos. Guárdese las espaldas, no vaya a ser que le salga por detrás y sin previo aviso un impulsor de Bolonia (un rector como Barja, el de la UDC, por ejemplo) y le aseste una puñalada mortal a traición.

¿Y sabe usted qué tampoco es cierto? El que los demás países de la Unión Europea se hayan alineado con el proceso, ya que Alemania, Italia, Grecia y el Reino Unido, por ejemplo han pasado de propuestas tan absurdas como las que nos quieren vender aquí.

Conclusión.

Es evidente: la educación en España, que estaba mal y necesitaba un cambio, está recibiendo un cambio: a peor. La Universidad pasa a ser mercado y la secundaria seguirá estando a merced de clérigos (creghos, decimos despectivamente los gallegos) y retrógrados para los cuales la familia es exclusivamente "la unión de un hombre con una mujer abierta a la procreación". Eso es para enmarcarlo, vaya. Por cierto, esa última cita aparecía en un libro de Ciudadanía de una editorial conservadora, de ahí que yo dijera antes que hay que seleccionar los libros adecuados, o nuestros sucesores acabarán el día de mañana persiguiendo homosexuales para ejecutarlos (le parecerá exagerado, pero ya ocurrió en el pasado). Me permito hacer una predicción sobre el futuro de España basándome en las posibles consecuencias de los temas tratados: españoles, seréis todos una panda de inútiles miserables y echaréis este país a perder en lugar de arreglarlo, así que buena suerte, que falta os va a hacer. Si usted piensa que exagero o me equivoco, sólo el tiempo le dará la razón o se la quitará. Mientras tanto, tengamos esperanza para que alguien con sentido común solucione este embrollo y entierre a esas condenadas momias que piensan que el país irá a mejor si se siguen haciendo las cosas hoy como hace treinta años.

Australia

2009-01-25T14:36:00.005+01:00

A continuación, una reseña en cuatro palabras de la película Australia (Baz Luhrmann, 2008):

Caos insufrible, tedio asegurado.

El apaleamiento de Mitch Kramer

2008-09-02T17:47:00.012+02:00

No os dejéis intimidar por el título de esta entrada. El contenido no es tan violento... relativamente. En realidad pretendo hablar de cine, especialmente de cine de antes, porque seguro que no soy el único que piensa que el cine de hoy en día deja, en general, mucho que desear. Y es que hay varios motivos por los que esto es así: el mercadeo, la falta de ideas originales, la "secuelitis" y, por supuesto, la corrección política.

En la actualidad, con todo el énfasis que se pone en hacer películas comerciales, no podemos disfrutar de guiones tan fantásticos como el de la archifamosa Casablanca (Michael Curtiz, 1942), fluidos, ordenados, con una progresión de la acción con buen ritmo e inteligible. Por el contrario, a día de hoy existen innumerables películas que no poseen estas características, cuyos guiones son torpes, avanzan "a saltos", la progresión es brusca, las escenas de acción son un batiburrillo confuso y el ritmo es a veces muy lento y a veces demasiado rápido, teniendo que estirar la película con escenas innecesarias con un contenido prescindible.

Pero hay más. El sentido del humor ha cambiado. A peor. Está repleto de clichés y bromas simplonas e inocentes para que los niños no se traumaticen. Je, las personas que escriben esas cosas nunca han estado en un cine de A Coruña, con niñatos de diversas edades armando un escándalo inenarrable en la sala, riéndose de todo aquello que aparece en pantalla; veo complicado traumatizar a una audiencia tan carente de moralidad. Es curioso cómo pretenden que nos riamos con bromas tan tontas como las que conforman la película Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2006), en las que una niña pequeña que se parece a Bartolo (el personaje de Cruz y Raya) hace memeces como ponerse a chillar de alegría de una forma estridente o quedarse parada con cara de pánfila cuando sus padres -desternillante- se olvidan de esperar por ella tras arrancar la furgoneta y largarse, además de otras tonterías del estilo. Pero lo peor de todo es que hay gente a la que eso le hace gracia. Y aún encima esa película fue nominada a un Oscar a la mejor película y recibió otro al mejor guión original. Dios nos asista. En la trilogía Piratas del Caribe (Gore Verbinski, 2003, 2006, 2007) también abundan los chistes fáciles y trillados, lo cual es especialmente triste si tenemos en cuenta que la primera entrega era bastante buena y divertida, con un guión de mayor calidad que las dos siguientes.

Y más allá del sentido del humor pobre y repetitivo está la cuestión de la corrección política. Ahora he tocado una materia sensible. Dejemos al margen cuestiones como las palabras malsonantes o la desnudez -que darían y han dado para muchas páginas- y analicemos otro tipo de elementos. Un ejemplo que me gusta mucho es precisamente el que da título a este artículo: una gran escena de la genial Movida del 76 (Richard Linklater, 1993) en la que unos chicos del último año de instituto se turnan para golpear el culo del novato Mitch Kramer con una especie de pala de madera que recuerda a un bate críquet. Y le dan fuerte, una y otra vez, hasta hartarse. La escena es divertidísima, acompañada por la genial canción de Alice Cooper No More Mr. Nice Guy y filmada con unos primeros planos realmente buenos. Pero la cuestión es si podría producirse hoy en día en América una película en la que se apalea a un menor indefenso de esa manera, especialmente con toda la polémica actual de vejaciones a niños y adolescentes en los colegios. Yo digo que no hay que mezclar la realidad con la ficción, y una película es precisamente eso: ficción. Por lo tanto, no tiene por qué incidir en la actualidad social real ni considerarse ofensiva mientras nos mantengamos dentro de unos límites en cuanto a gusto, dignidad y género. Es decir, la escena del apaleamiento de Mitch es una escena cómica en una película sobre adolescentes yendo de fiesta la noche que sigue al último día de clase antes de las vacaciones de verano. Casos como el de este chaval han ocurrido de verdad y se han quedado en meras anécdotas de adolescente, porque lo de golpear a los novatos era una tradición socialmente aceptada por mucha gente. Así que, dentro de esos límites, esta escena no tiene nada de ofensivo ni desagradable, aunque nos duelan un poco nuestras propias posaderas al ver cómo Kramer recibe lo suyo poniendo cara de dolor. Pero claro, la sociedad actual no lo toleraría y menos aún pudiendo ver en su lugar a una niña histérica como la antes mencionada chillando hasta hartarse, lo cual supongo que será considerado por algunos "de magnífico gusto". Siguiendo con el tema, las drogas han aparecido muchas veces en el cine, pero casi siempre demonizadas y representadas como estímulo de "los malos" o como estigma de "los buenos". Es natural, las drogas son perjudiciales y es normal representarlas como desagradables incluso en la ficción. Pero no siempre tiene que ser así. Imaginemos un protagonista de una película dramática que es adicto a algún tipo de sustancia ilegal, pero que no tiene intención de deshacerse de ella, es más, ni siquiera reflexiona sobre ello, sino que su adicción no es más que un detalle de su caracterización, sin que sea representada como algo malo o repudiable. Ha habido protagonistas así antes en el cine, como Kowalski, personaje principal de la magnífica Vanishing Point (Richard C. Sarafian, 1971). El tipo es adicto al speed -lo que da lugar a un juego de palabras muy bueno cuando el protagonista va a comprarle un poco a su camello- y eso no es un motivo central en la película, ni siquiera se enfoca como una debilidad sino que es una simple característica de Kowalski, lo que lo convierte en un antihéore y en un personaje interesante, pues el interés puede generarse a través de características que planteen al espectador una cuestión moral sin condicionar su opinión diciéndole "esto es malo" o "esto debería hacerse de otra manera". Un personaje rodeado de cuestiones que den qué pensar al espectador y le hagan plantearse asuntos morales gana mucho en cuanto a interés. Pero ¿está la sociedad políticamente correcta de hoy en día preparada para identificarse o al menos tolerar a un protagonista drogata? En Hancock (Peter Berg, 2008) el protagonista lleva en una escena una botella de alcohol -y no precisamente de farmacia- en una mano en público sin que esté cubierta por una bolsa de papel (como es ley en América) y en otra escena lanza a un niño por los aires... ¿un rayo de esperanza? Quizá. Veamos cómo sigue el cine a partir de aquí.

Da la impresión de que casi todas las películas mainstream de hoy en día están cortadas por el mismo patrón, con la misma torpeza en el guión, los mismo clichés... los mismos fallos en resumidas cuentas. Y por eso me gusta el cine de Tarantino: es atrevido, es transgresor, pero sabe cómo utilizar recursos clásicos de manera que funcionen sin por ello renunciar a su particular estilo. No veréis ninguna película que se parezca a Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994) porque nadie hace películas como el director de esta. Pasó una larga etapa de su vida trabajando en un videoclub, ha visto casi todas las películas que se han hecho y por eso comprende los mecanismos de la ficción para causar unos efectos determinados. Sabe qué recursos clásicos funcionan y en qué circunstancias, sabe cuándo puede permitirse ser indulgente consigo mismo e introducir diálogos de besugos con mucho gancho y carisma, sabe ser atrevido sin caer de lleno en la transgresión "porque sí" o en el mal gusto, si bien a veces vemos en sus películas una cierta sordidez, pero con cierto encanto, como en El Corazón del Ángel (Alan Parker, 1987). Directores como Parker saben crear esos geniales ambientes sórdidos con encanto que ya no se ven últimamente en el cine. Lo mismo podría decirse del también atrevido Guy Ritchie, director de Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998) y Snatch (2000), dos películas con guiones singulares, protagonizadas por ladrones, timadores, mafiosos y maleantes, llenas de un ingenioso sentido del humor y diálogos inteligentes, además de montaje ágil y muy original.

Nos vendría muy bien también que en las películas de hoy en día se tratasen temas que generasen interés, pues estoy viendo que eso ha dado lugar a grandes obras que tocan lo más profundo de nuestro espíritu y ha funcionado en el pasado. Mencionaba al comienzo del artículo la intemporal Casablanca. Es una película que trata sobre un triángulo amoroso, pero su trasfondo es un tema de suma importancia: nada menos que la Segunda Guerra Mundial. Ahí está la clave para el triunfo de esta película: historia de amor y desamor narrada con buen gusto sobre un escenario que corresponde a la más terrible guerra del siglo XX, en una situación llena de corrupción, traición, inseguridad y otros detalles como el inimitable estilo del bienquerido Humphrey en el papel de Rick. Es una fórmula similar a la que utiliza una película reciente que ha sabido aprovechar bien ideas como esta. Me estoy refiriendo a La Fuente de la Vida (Darren Aronofsky, 2006), una historia de amor más allá del tiempo y el espacio que se apoya en un tema realmente interesante: la muerte como fuente de vida. Esto es lo que hace realmente grande a esta película, pero es que ni siquiera hace falta un tema tan amplio. Se puede lograr un efecto similar, se puede hechizar al espectador con algo más "mundano". En Primer (Shane Carruth, 2004), se nos cuenta una historia de amistad puesta en peligro por cuestiones de ética, teniendo como trasfondo el descubrimiento accidental de los viajes en el tiempo por parte de los protagonistas. Pero ojo, que no estamos hablando de nada épico ni de Regreso al Futuro (Robert Zemeckis, 1985): Primer plantea los viajes en el tiempo de una forma convencional, con una explicación científica que no simplifica el lenguaje específico para mejor comprensión del espectador, lo cual puede molestar a los espectadores no duchos en física y matemáticas, pero no importa porque se nos cuenta una historia muy humana acerca de ética y amistad sobre un trasfondo interesante, creíble y con un planteamiento convencional que le da un bonito toque de originalidad. Desde luego es muchísimo más agradable de ver que la insufrible Funny Games (Michael Haneke, 2007), una película vacua y sin interés en la que somos obligados a ver cómo un par de idiotas rubios con ropa de golf torturan a un matrimonio y matan a su hijo mientras ellos lo ven como un juego perfectamente natural. Y cuando uno de ellos recibe su merecido y pensamos que ahora le toca al otro, lo que ocurre es que este coge un mando de DVD y rebobina la película, evitando que su amigo muera. Así que al final se salen con la suya, matan a todo cristo y siguen matando por ahí sin que a ellos les pase nada. Esto es porque al director y guionista le pareció una idea genialmente original no darle al espectador lo que pide y, en su lugar, fastidiarlo hasta el mismísimo último segundo de la película. Enhorabuena señor Haneke, ha logrado usted frustrar a sus espectadores hasta niveles inenarrables, y lo ha hecho intencionadamente. Espero que eso le haga muy feliz, porque a mí me sentó como un tiro tragarme su catastrófica película. Originalidad sí, pero con un poco de sentido. Estamos cansados de sufrir frustración en nuestras vidas, así que cuando vemos una película queremos disfrutar de una historia de ficción que nos haga olvidar nuestras frustraciones y nos proporcione una catarsis como es debido, no para amargar aún más nuestra existencia. El cine es caro y consume tiempo, y no nos hace gracia pagar para aguantar una odalía que nos haga salir de la sala llenos de rabia y amargura.

Para concluir me gustaría decir que este tema da para explayarse mucho, se pueden generar discusiones extensas sobre qué le falta y qué le sobra al cine de hoy y hacia dónde debería ir encaminado. Yo he expresado mi punto de vista y creo que aprender de los clásicos y de las grandes obras del pasado puede proporcionar una base muy sólida al cine de hoy en día y al que viene. Por lo de ahora tendremos que conformarnos con seguir esperando que, de vez en cuando, alguien escriba un buen guión y sea llevado a producción para nuestro deleite. Ocurra lo que ocurra en el cine, siempre hay alguien realmente bueno que consigue abrirse paso hasta nuestras pantallas y sorprendernos con una producción que nos impacta y nos hace vivir una historia diferente y especial.

Mike Oldfield

2008-06-30T16:46:00.009+02:00

Cuando Michael Gordon Oldfield (1953, Reading, Inglaterra) convenció a su padre de que le comprase una guitarra, este le dijo: "Hijo, tienes dos opciones en cuanto a esta guitarra: recibir clases particulares para aprender a tocarla como es debido o permitir que te la rompa a golpes en la cabeza". Qué sabio fue el pequeño Michael al escoger la primera opción.

Comenzó su andadura por el mundo de la música siendo muy joven, tocando la guitarra acústica en locales folk y grabando un álbum (Children of the Sun) con su hermana Sally, junto a quien formaba el dúo The Sallyangie en 1968. Tras una gira a nivel nacional de escaso éxito, Mike formó un nuevo dúo con su hermano Terry llamado Barefoot y de estilo más rockero. Poco después, en 1970, se unió al grupo Kevin Ayers & The Whole World como bajista y, dos años más tarde, conoció al joven Richard Branson, que intentaba lanzar su propio sello discográfico, Virgin Records. De esta manera, en 1973, veía la luz su primer álbum y obra maestra, que se convertiría en uno de los discos más vendidos de la historia y que establecía un estilo musical único, sin precedentes e inimitable: Tubular Bells.

Tan sólo 19 años contaba el joven Oldfield cuando transformó el mundo de la música. Comenzaba así su tormentosa etapa en Virgin Records, durante la cual no dejó de experimentar con formas musicales e instrumentos. Su segundo álbum, titulado Hergest Ridge, continuaba en la línea del primero en cuanto a formato (dos movimientos de casi veinte minutos cada uno), pero exploraba nuevas texturas de sonido y evocaba una variedad de sensaciones asociadas al entorno en el que grabó el disco: su casa de Herefordshire. La evocación y recreación de sensaciones es precisamente uno de las características que dan forma al estilo propio del músico de Reading. Pero ¿cuál es ese estilo? Lo primero que hay que tener claro en cuanto a definir tal cosa es que no se puede definir. Es cierto que Oldfield ha experimentado con muchas formas y géneros musicales: ha utilizado muchos elementos folk tales como instrumentos tradicionales irlandeses o percusiones africanas en trabajos como Ommadawn e Incantations, lo cual le lleva a identificarse con la "world music"; ha creado prodigiosas composiciones de rock progresivo, superando incluso al grupo que lo originó (el magnífico Yes) en técnica y textura de sonido en Incantations, Crises e incluso Amarok; compuso una respetable serie de canciones de estilo pop-rock e incluso llegó a tontear con el heavy metal y el tecno, además de recurrir con cierta frecuencia al minimalismo. No se debe identificar a este músico con un sólo género, sino con varios y, aún así, su estilo particular sigue siendo único e inimitable; sus composiciones son como puzzles: utilizando un montón de pequeñas piezas variadas y distintas entre sí, él las hace encajar a la perfección para mostrarnos una imagen acabada que representa una calculada y minuciosa labor de creación. Y hasta ahí llega mi capacidad para asociar una identidad al estilo del virtuoso.

Su dominio de más de cuarenta instrumentos le permite visualizar mentalmente multitud de posibilidades de composición de forma minuciosa. Pero, sin lugar a dudas, son el piano y la guitarra aquellos en los que más destaca, especialmente en esta última. En la discografía de Oldfield son frecuentes los formatos largos, de diez, quince o veinte minutos, que conforman un paisaje sonoro vasto, repleto de colorido, texturas y sensaciones en el que la guitarra eléctrica nos sirve de guía entre la exuberante riqueza del "entorno". Pero va más allá, pues es un rasgo característico del británico estallar en brillantes novas de guitarra como culmen de un tema o de un fragmento en particular, liberando de golpe solos enérgicos y riffs incandescentes que nos conducen al delirio. Ya sea durante el alucinante comienzo de Crises (tras la secuencia introductoria Fairlight), el explosivo final del fragmento The Deep Deep Sound en Taurus II (álbum Five Miles Out), el onírico Fast Riff de Amarok o el climático estallido iniciado por las campanas tubulares en Far Above The Clouds (Tubular Bells III), estos espectaculares arrebatos siempre causan un profundo impacto en el oyente.

Por otra parte, la variedad también es parte fundamental de la discografía de Mike Oldfield, por lo que también podemos encontrar en ella composiciones más relajantes, con un pulso más lento y una progresión suave a lo largo de la cual se van introduciendo nuevos y sencillos temas que las van enriqueciendo, logrando un resultado final más complejo pero muy dulce al oído. Es el caso de la deliciosa Weightless, que introduce la segunda suite de Tubular Bells II a través de un "sedoso" sendero de teclados, sintetizadores y una guitarra acústica dulce y melancólica. Otro ejemplo, esta vez del álbum The Songs of Distant Earth, es Oceania, una composición modesta pero rica y emotiva, haciendo sentir al espectador nostalgia de algún lejano tiempo no vivido en un lugar en el que nunca ha estado.

Como se puede observar, la obra de Oldfield es amplia, variada y supone una fascinante experiencia sensorial y emocional. Habrá, por supuesto, quien no comparta mi punto de vista porque, al fin y al cabo, el músico de Reading no es perfecto, a pesar de lo mucho que se ha aproximado a ese estado musicalmente en algunos puntos de su carrera; además, incluso reconociendo tal cosa, siempre habrá gente cuyo gusto no encaje con esta música, por mucha variedad que ofrezca incluso a los oídos más exigentes. Se tenga la opinión que se tenga, lo que está claro es que el virtuoso no deja indiferente a nadie, precisamente debido a su talento y su virtualmente ilimitada creatividad, además de su desinhibición a la hora de experimentar y probar nuevos sonidos. Y es que Mike Oldfield ha hecho mucho por el mundo de la música en general y del rock en particular, y es precisamente por esto por lo que merece la pena detenerse a apreciar su obra en estos tiempos en los que la innovación, la creatividad, la calidad y la atención al detalle parecen haber desaparecido de la industria discográfica.

Vuelta a la normalidad

2008-06-29T21:30:00.003+02:00

Publico esta entrada para anunciar que, tras aproximadamente año y medio de inactividad, este blog vuelve a la vida con un artículo sobre Mike Oldfield que he dividido en dos partes: una haciendo una reseña dobre su discografía general (excluyendo singles y rarezas) y otra analizando su estilo musical. La primera ya está lista y puede leerse precediendo a esta entrada. En breve publicaré la segunda y luego continuaré con varios artículos que llevo planeando desde hace algún tiempo. Victorian Great Hall vuelve a la vida. Disfrutadlo.

Mike Oldfield (discografía)

2008-03-03T20:01:00.009+01:00

Existen numerosos guitarristas virtuosos que son admirados por sus ricas contribuciones al mundo de la música, pero no se puede decir de todos lo que sí se puede decir de Mike Oldfield: nadie se parece a él. Su música, con sus virtudes y defectos, es inimitable. No siempre fue así. Durante su adolescencia se dedicó a tocar en pequeños locales folk y formó parte de un grupo "beat". A los 14 años formó un dúo llamado Sallyangie con su hermana Sally y más tarde formaría otro distinto, más rockero, con su hermano Terry llamado Barefoot. Dos años después, en 1970, se unió al grupo Kevin Ayers & The Whole World como bajista, donde entraría en contacto con el teclista David Bedford, que se haría rápidamente su amigo y le animaría a llevar a cabo una versión temprana de Tubular Bells. Aquí es donde empieza la epopeya de este virtuoso músico británico.

En 1972 conoció al joven Richard Branson, que estaba intentando poner en marcha el sello Virgin Records. En 1973 Oldfield terminó y lanzó Tubular Bells, inaugurando el sello de Branson y obteniendo un éxito arrollador debido al particular estilo de Mike, quien tocaba él sólo más de 25 instrumentos diferentes, apoyándose en la grabación por pistas, y exploraba géneros muy diversos y diferentes entre sí a lo largo del álbum, dividido en dos movimientos con formato de suite. Tubular Bells enseguida llegó a lo más alto del "top 10" de ventas en el Reino Unido y ha permanecido en él hasta la fecha. Tras él llegó Hergest Ridge, que seguía el mismo formato y tuvo también un grandísimo éxito, para ser seguido por Ommadawn, conservando el formato y explorando nuevos sonidos y suponiendo un avance sobre Tubular Bells, que es injustamente tomado con frecuencia como la única obra destacable del músico británico y como el único exponente de su estilo, lo cual es totalmente falso. Ommadawn es un magnífico logro en tanto que su instrumentación es amplia y variada y su textura está magistralmente empleada de forma que destaca diversas emociones y ciertos aspectos de la música. Cabe destacar junto a los ya mencionados su cuarto trabajo y obra maestra: Incantations. Es una obra en cuatro movimientos de una riqueza musical inusitada debido a su estilo de "progressive rock" (un género que se dice fue iniciado por el grupo británico Yes) mezclado con elementos tradicionales tales como el uso del bodhrán (un instrumento de percusión típico de Irlanda), la abundancia de voces corales (magníficamente manejadas) y el uso de la percusión como base, formando una especie de pista rítmica sobre la que se construye una fascinante obra repleta de formas musicales distintas teniendo como guía principal la guitarra eléctrica que, en manos de Oldfield, es como una varita mágica en manos de un ilusionista: obra maravillas. Otro elemento clave de este álbum son sus referencias literarias: en la parte dos, al final, suena una bellísima canción cuya letra consiste en dos fragmentos del poema épico romántico de Longfellow The Song of Hiawatha, concretamente Hiawatha's Departure y The Son of The Evening Star; al final de la parte cuatro (y como perfecta conclusión del álbum) suena el poema del renacentista Ben Johnson Hymn To Diana interpretado, al igual que la canción anterior, por Sally Oldfield deleitándonos con los matices más dulces de su voz. A pesar de todos estos elementos, Incantations puede considerarse, desde el punto de vista de la composición, como minimalista.

En 1979, comienza una nueva etapa para el músico con Platinum, que presenta nuevos experimentos de sonido con el uso de vocoder, marimbas, vibráfono, percusiones, mucho sintetizador y hasta un ritmo de charleston en la tercera pista. Se explota incluso más el tema del vocoder y sintetizadores en QE2, introducido por el tema Taurus I, el primero de una serie de composiciones muy al estilo del rock progresivo; también nos encontraremos con una magnífica exhibición de guitarra eléctrica e incluso con un pequeño fragmento de la archiconocida Badinerie de Bach. Five Miles Out es el álbum que sigue, comenzando con Taurus II, que incluye un fragmento llamado The Deep Deep Sound, que comienza con una suave canción de Maggie Reilly y termina en un grandioso clímax de guitarra eléctrica, batería y sintetizadores; también tenemos la experimental, atrevida y original canción que da título al álbum en la que, reconozcámoslo, de poco sirven las palabras porque no se parece en nada a ninguna otra cosa que hayamos escuchado. Y llega el fin de esta etapa con Crises, comenzando con una pieza de veinte minutos del mismo título que el álbum que es una de las más bellas contribuciones que se han hecho al género del rock progresivo; se trata de un trabajo que hizo fruncir muchos ceños debido a su empleo de elementos heavy metal, pero que resultó ser una de sus mejores obras, incluyendo colaboraciones de Maggie Reilly, Jon Anderson (vocalista de Yes) y Roger Chapman.

En este punto de su carrera, Oldfield fue presionado por Branson para que sus trabajos fuesen más comerciales y accesibles al público general, dando comienzo a la etapa de Discovery, un gran álbum de pop-rock en el que Maggie Reilly y Barry Palmer hacen gala de sus espectaculares habilidades como vocalistas. Siguieron The Killing Fields (BSO de la película Los Gritos Del Silencio, compuesta por Mike Oldfield y David Bedford), Islands, Earth Moving, Amarok y Heaven's Open; todos ellos de estilo pop-rock a excepción de The Killing Fields y Amarok, siendo este último una obra experimental y épica en extensión (se trata de una pista de sesenta minutos), utilizando todo tipo de instrumentos en incluso objetos cotidianos (cepillos de dientes, bandejas, vasos, puertas, etc.) para hacer una música que nadie más que el músico británico podría haber concebido, repleta de dulces melodías e hipnóticas armonías, súbitamente interrumpidas e incluso mezcladas con sonidos discordantes y cambios de ritmo de lo más brusco; sólo es posible amar Amarok u odiarlo e incluso el propio Mike odia algunos fragmentos mientras que adora otros.

En 1992 aparece Tubular Bells II, dividido en dos suites, pero distribuidas en varias pistas según el fragmento correspondiente, para mayor comodidad del usuario. En esta nueva entrega, Oldfield recuerda las técnicas y algunos temas de la primera, pero siendo innovador a la vez, apoyándose en su propia madurez musical, los adelantos tecnológicos y sus grandes colaboradores, además de sus experiencias pasadas con Kevin Ayers y el primer Tubular Bells. El resultado es una nueva obra maestra. En 1994 pone banda sonora a la novela de ciencia-ficción de Arthur C. Clarke The Songs Of Distant Earth (Cánticos De La Lejana Tierra) con un álbum del mismo nombre para el que compone e interpreta la música con ayuda de un ordenador, lo que despierta su interés por trabajar con estas máquinas y marcará sus próximos álbumes hasta la actualidad, añadiendo en este caso un fuerte componente folk. A continuación aparece Voyager, de temática celta, incluyendo canciones típicas irlandesas y una daptación del tema O Son Do Ar del grupo gallego Luar Na Lubre que titula The Song Of The Sun. No será la única colaboración de Oldfield con los gallegos, pues la cantante del mencionado grupo, Rosa Cedrón (actualmente fuera del grupo), participará como vocalista en The Inner Child, uno de los fragmentos de Tubular Bells III, lanzado en 1998, saltándose la división en dos partes y distanciándose de sus predecesores. La electrónica es un componente fundamental del álbum, hasta el punto de ser fuertemente influenciado por el tecno, lo cual se entrelaza con pistas que representan distintas emociones y estados de ánimo que Mike experimentó en Ibiza (su nuevo hogar por aquel entonces), además de incluir samples de percusión de Moonlight Shadow en la canción Man In The Rain, de Shadow On The Wall en Outcast y de Ommadawn en Far Above The Clouds, el tema final que supone un clímax magnífico y genuínamente Oldfield. Un año después nos sorprende con el modesto pero memorable Guitars, álbum de música ambiental al que recurre de nuevo al ordenador para crear capas de sonido con samples de guitarra y secuencias en MIDI. El mismo año lanzó el olvidable The Millenium Bell, que dio origen al término "techno-Oldfield", aunque explora sonidos que recorren la historia de la humanidad, creando una gran variedad de temas, pero también falta de cohesión y, en general, se desvía bastante del gran nivel al que nos tiene acostumbrados.

Y así termina otra etapa en la extensa carrera del virtuoso, dando comienzo a la última y actual, que comienza con Tr3s Lunas, un álbum de chill-out acompañado por el videojuego MusicVR, en el que el jugador explora un mundo poblado por objetos que producen música y sonidos, incluyendo temas muy interesantes, algunos de los cuales serán convertidos en pistas del doble álbum Light & Shade, lanzado al mercado en 2005. Fue precedido por Tubular Bells 2003, una regrabación del primer álbum de Oldfield, reconstruido a partir de cero, evitando algunos detalles y limitaciones técnincas del original, con el que el músico nunca estuvo del todo contento. Light & Shade insiste en una mezcla de sonidos electrónicos y chill-out con extenso empleo de guitarra y piano que, de hecho, son los únicos instrumentos reales que se emplearon en su grabación, llevada a cabo con teclados, plugins y programas de edición de sonido. Poco después de la publicación de este álbum, Mike Oldfield dijo que no sabía cuándo volvería a hacer algo realmente grandioso, hasta que unos meses después anunció que se encontraba muy inspirado para componer un nuevo álbum distinto a todos los anteriores. Poco a poco fue revelando información, como que sería completamente orquestal, una composición clásica con coros y vocalistas en la que el tocaría la guitarra clásica y el piano: el resultado fue el lanzamiento en 2007 de Music Of The Spheres. Efectivamente, distinto a todo lo anterior, incluyendo a la vocalista clásica Hayley Westenra y presentando a la Sinfonía Sfera Orchestra, fue el primer álbum de música clásica que se lanzó en USB. Si bien a los fans nos dejó un poco fríos, hay que reconocer que se trata de una composición muy trabajada y con segmentos cargados de emotividad, a pesar de que se echan de menos las explosiones de sonido apasionadas que solían marcar los trabajos del músico de Reading y que están presentes incluso en el álbum anterior.

A día de hoy, Mike Oldfield vive felizmente con su esposa Fanny y los dos hijos que ha tenido con ella, habiendo nacido Eugene (el más joven) en Enero de este año. Últimamente ha dicho que se encuentra muy a gusto con su familia en Ibiza y que no descarta la idea de retirarse; todavía no sabemos si temporal o definitivamente, pero un servidor desea que este gran virtuoso, si ha de despedirse, lo haga con un nuevo y último álbum que recupere elementos de sus primeras obras maestras y deje bien claro que estaremos diciendo adiós a un verdadero maestro en el mundo de la música.

Saint-Georges

2007-01-31T11:25:00.001+01:00

Después de mucho tiempo, vuelvo para continuar con mis entradas dedicadas a grandes espadachines históricos. En esta ocasión os hablaré de un hombre al que se consideró "una suerte de Admirable Crichton de su tiempo", el caballero Saint-Georges.

Georges de Boulogne era un oficial de alto rango del ejército de Luis XVI que poseía una plantación en Guadalupe, en las Indias Occidentales francesas. Durante una de sus visitas a la misma, cayó enfermo y estuvo bajo los cuidados de una bella nativa llamada Nanon. Se hicieron amantes y su relación dio lugar al nacimiento de un niño mulato. Georges regresó a Francia e hizo las disposiciones necesarias para que la mujer y el niño lo siguieran. Partieron en el navío Saint-Georges y, cuando llegaron a Francia el niño fue bautizado con el nombre del barco.

Durante seis años, Saint-Georges fue aprendiz del gran maestro de esgrima Texier La Boessière (cuyo hijo Antoine, maestro a su vez, escribiría el influyente Traité de l'art des armes). El muchacho debía adoptar completamente la cultura francesa y recibir una perfecta educación que hiciera de él un auténtico caballero. El joven aprendía rápidamente y destacó en diversas disciplinas tales como música (compositor y e intérprete), atletismo, equitación, natación... destacando principalmente como violinista y como tirador de esgrima. A los quince años manejaba el florete de manera formidable y a los dieciséis su velocidad y su sentido del tiempo de acción eran famosos. A pesar de ello, un maestro de Rouen le describió como "el negro de La Boessière", por lo que su padre de acogida le instó a vengar la afrenta. Ante un numeroso público, Saint-Georges derrotó a su ofensor por 27 tocados a 3. Poco después conoció a Agatha Vessières, música, y se enamoraron. No obstante, otra música, enamorada del muchacho y loca de celos, alertó a los padres de este, quienes le prohibieron que volviera a ver a Agatha. A partir de ese momento, Saint-Georges vivió una serie de aventuras amorosas, como para aliviar su dolor. Curiosamente, a pesar de ser excepcionalmente guapo, nunca se tuvo gran estima en ese aspecto y pensaba que las mujeres mostraban interés en él por ser una "curiosidad de las islas", como quien se fija en un pájaro exótico. Mientras tanto, iba camino de convertirse en el mejor espadachín de Francia. Domenico Angelo Malevolti Tremamondo escribiría en sus Memorias que "superaba a todos sus contemporáneos y predecesores. Ningún profesor o aficionado mostró jamás semejantes precisión y fuerza, semejantes longitud de fondo y rapidez; sus ataques constituían una serie perpetua de tocados; sus guardias eran tan cerradas que cualquier intento de tocarle era en vano; en resumen, era todo nervio". También fue uno de los mejores tiradores de armas de fuego de su época; una de sus proezas consistía en lanzar dos monedas al aire y acertarles con sendos disparos antes de que tocasen el suelo.

Cuando monsieur de Boulogne murió, les dejó a su mujer y su hijo una pensión de 8.000 livres al año a cada uno (unos 36.000 $ de hoy en día). Mientras, Saint-Georges continuaba de forma fulgurante con su carrera musical. Para entonces ya era un virtuoso del violín, además de director de orquesta y compositor, con sonatas, óperas cómicas y cuartetos de cuerda con su firma. María Antonieta le invitó a su Petit Trianon con el objetivo de tocar el clavicémbalo para él. Saint-Georges continúo siendo "un favorito hasta tal punto entre las damas que se olvidaban de su cutis oscuro y de su enmarañada cabeza". Sin embargo, fue objeto de ataques racistas y fue agredido por unos matones a quienes un oficial de policía, en un privado afán de venganza, había pagado para que lo mataran a garrotazos. En 1776 fue propuesto como director de la ópera de París, pero los cantantes y actrices de mayor fama rogaron que la reina le impusiera el veto, indignados ante la idea de recibir órdenes de un mulato.

Saint-Georges se batió en numerosos duelos, generalmente como la parte ofendida. Durante la Revolución Francesa fue nombrado coronel y estuvo al mando de un batallon compuesto exclusivamente por hombres de color que llegaría a ser conocido como "la Legión de Saint-Georges"; el padre de Alexandre Dumas fue uno de sus oficiales. En 1793 Saint-Georges fue injustamente acusado de corrupción y soportó dieciocho meses de arresto domiciliario bajo sentencia de muerte. Sus últimos años los pasó como un inválido indigente y murió en 1799 a la edad de cincuenta y cuatro años.

Great Videoclip #5

2006-09-21T12:24:00.000+02:00

Me enorgullezco de poner por primera vez en este blog un videoclip dirigido por Shynola, un magnífico grupo de artistas formado por Gideon Baws, Chris Harding, Richard "Kenny" Kenworthy y Jason Groves. Muchos son los grupos musicales que han podido contratarlos para hacer excelentes videoclips de gran valor artístico como Pink Floyd, Blur, The Rapture, UNKLE y más. En este caso he escogido el vídeo Go With The Flow de Queens Of The Stone Age, pero no será la última vez que veamos el trabajo de Shynola en el Great Hall.

Christopher Marlowe

2006-09-21T12:16:00.000+02:00

Christopher "Kit" Marlowe nació el 6 de Febrero de 1564 y fue bautizado el 26 de Febrero, exactamente dos meses antes que William Shakespeare. Se desconocen más datos de su infancia y primera juventud hasta el 14 de Enero de 1579. A punto de cumplir 15 años, ingresa como estudiante en la Royal School de Canterbury. Poco más de dos años después se matriculó en la Universidad de Cambridge con una beca de un chelín semanal. En marzo de 1584 obtuvo el grado de Bachiller en Artes. En 1587 las autoridades de la Universidad se negaron a concederle el título de licenciado por causa de sus considerables ausencias. La razón de tales "novillos" no era otra que su trabajo en el servicio secreto inglés espiando a los católicos británicos refugiados en Francia. Así es que el Consejo Privado del Reino acalló las reticencias del profesorado de Cambridge enviándoles una orden fechada a 29 de Junio de 1587 según la cual "había estado ocupado en asuntos relativos al bien de su patria" y añadía que "no era del agrado de Su Majestad que quien había estado dedicado a tal tarea se viera ahora difamado por aquellos que ignoraban los extremos que le habían tenido ocupado". A sus veintitrés años, con diploma recién estrenado, partió hacia Londres llevando consigo una de sus grandes obras de teatro, Tamburlaine El Grande y también la traducción de los Amores de Ovidio y la del primer libro de la Farsalia de Lucano. Durante este tiempo, se publica en alemania una historia anónima acerca de un personaje real y extremadamente controvertido: Historia Von DR. Johann Fausten, que pronto sería muy popular en su país de origen y en Inglaterra. Mientras tanto, Marlowe se unió a la compañía de actores del conde de Nottingham, almirande de la flota inglesa por aquel entonces; fue en esta compañía donde se representó por vez primera Tamburlaine El Grande. También se dice que llevó una vida de excesos (los rumores y habladurías de todo tipo que surgieron sobre y en torno a la persona de Marlowe podrían llenar un volumen) durante la cual se le acusó de blasfemo, ateo y con inclinaciones homosexuales; se dijo que había blasfemado contra la Santa Trinidad y que hasta había escrito libros contra ella y contra las Sagradas Escrituras y se añadió que solía reírse de éstas, hacer burla de las oraciones y exponer argumentos que pretendían echar por tierra las palabras de los profetas o de los santos. Todo esto, como muchas otras cosas, no son más que habladurías, igual que muchas versiones de su muerte, de la cual podemos afirmar con seguridad que tuvo lugar en una casa (una especie de posada) de Deptford el día 30 de Mayo de 1593 en una pelea con uno de los amigos que le acompañaban esa noche; ambos tenían una cuenta pendiente con la casa y, en la pelea que libraron a raíz de quién la iba a pagar, Marlowe sacó su daga y, durante el forcejeo, se la clavó en el ojo derecho. Fue enterrado dos días después en el cementerio de iglesia parroquial de San Nicolás, en Deptford.

La obra de Kit Marlowe es breve en comparación con la de otros autores isabelinos, como William Shakespeare, pero es enorme si tenemos en cuenta que toda ella fue escrita en sólo seis años. Entre sus veintitrés y veintinueve años, Marlowe escribió siete dramas, dos traducciónes y dos poemas propios. Sus obras teatrales son las siguientes:

-Tamburlaine The Great (Tamerlán El Grande) (primera parte): representada por primera vez, casi con seguridad, a finales de 1587 e impresa en 1590. Parece ser que se inspiró en la historia que Pedro de Mexía escribió acerca del personaje histórico de Tamerlán en su Silva De Varia Lección.

-Tamburlaine The Great (segunda parte): estrenada pocas semanas después de la primera, impresa en 1590. Todo el conjunto de la obra (1ª y 2ª parte) expone la carrera militar de Tamerlán desde sus comienzos como pastor y salteador hasta la conquista de Persia, el Imperio Turco, Egipto y Babilonia, el sometimiento y destrucción de todos sus monarcas, el amor de Tamerlán por Zenócrate (hija del sultán de Egipto) y concluye con la muerte del propio Tamerlán.

-The Massacre At Paris, With The Death Of The Duke Of Guise (La Masacre De París, Con La Muerte Del Duque De Guisa): Escrita durante 1592 y estrenada probablemente en 1593. Trata el tema de la matanza de hugonotes que comenzó en Francia el 24 de Agosto de 1572.

-The Troublesome Raigne And Lamentable Death Of Edward The Second (El Azaroso Reinado Y Lastimosa Muerte De Eduardo II): El título de la obra es un buen exponente de su temática. Fue puesta en escena en 1592 e impresa dos años más tarde.

-The Famous Tragedy Of The Rich Jew Of Malta (La Famosa Tragedia Del Rico Judío De Malta): Escenificada en 1589, recibió autorización para pasar a la imprenta el 17 de Mayo de 1594; no obstante, no se conserva ninguna edición anterior a la de 1633. La obra, que comienza con un soliloquio de Maquiavelo, narra la venganza del judío Barrabás, que ha visto todos sus bienes confiscados por las autoridades de Malta. Organiza una trampa para sus enemigos que desemboca en una orgía de sangre, muy al gusto de la época, pero no todo sale como él tenía previsto.

-The Tragedy Of Dido Queene Of Carthage (La Tragedia De Dido, Reina De Cartago): Trata del romance entre Dido y Eneas. La primera edición corresponde a 1594, pero sólo hay conjeturas sobre las fechas de composición y estreno.

-The Tragicall History Of The Life And Death Of Doctor Faustus (La Trágica Historia De La Vida Y Muerte Del Doctor Fausto): Aunque las controversias acerca de las primeras fechas públicas de esta obra aún no han terminado, todo apunta al año 1592 como el de su composición y estreno. Se trata de una obra muy ingeniosa, repleta de juegos de palabra y notas humorísticas que cuenta una historia ficticia acerca del Doctor Fausto histórico, personaje sumamente controvertido. En la obra, pacta con Lucifer vendiéndole su alma para disfrutar de veinticuatro años de inmortalidad y grandiosos poderes de magia negra y el acceso a conocimientos prohibidos o inaccesibles para la gente de la época, además de contar con la amistad y servidumbre del poderoso demonio Mefistófeles. Pero al cabo de esos 24 años, llega el momento de rendirle cuentas a Lucifer y cumplir su parte del trato.

Además de estas obras teatrales, Marlowe es autor de dos traducciones del latín. Una de ellas es el libro primero de la Farsalia (o De Bello Civili) de Lucano, impresa en 1600 bajo el título de Lucans First Book translated line for line by Chr. Marlow. La traducción comprende 694 versos. Mucho más extensa (2456 versos) es su traducción de los Amores o Elegías de Ovidio, cuya primera edición (póstuma) se llevó a cabo en Holanda. En 1599 esta traducción fue condenada a la hoguera por orden de la jerarquía eclesiástica anglicana, que la acusó de "licenciosa". Ambas traducciones tienen lugar en una etapa muy temprana en la carrera de Marlowe, y tal vez haya que atribuirlas a su época de estudiante en Cambridge.

También escribió dos poemas de naturaleza muy distinta. El primero, de extensión brevísima (24 versos en 6 estrofas), lleva por título The Passionate Shepherd To His Love (El Pastor Apasionado A Su Amada) y se inicia con uno de los versos más conocidos de la poesía inglesa: "Come live with me, and be my love". Apareció por primera vez en una miscelánea poética titulada The Passionate Pilgrim. Un año después apareció en otro volumen de idéntica naturaleza titulado Englands Helicon, que recopilaba poemas de muy diversos autores. Su segundo poema, Hero And Lisander (Hero Y Leandro), quedó inacabado con un total de 334 versos. Dijo C.S. Lewis (Las Crónicas De Narnia) que esta es "una obra más perfecta que cualquiera de sus dramas"; también dijo Gamini Salgado que, con esta obra, "aunque no hubiera escrito más, Marlowe seguiría siendo recordado".

Great Videoclip #4

2006-08-30T20:51:00.001+02:00

Para los amantes de la música electrónica, aquí os dejo un videoclip realmente original: "Fashion Freak" de "Naked Ape". Me encanta la actuación de las chicas, no tiene desperdicio.

Great Videoclip #3

2006-08-30T20:39:00.000+02:00

Le toca el turno a "Star Guitar" de los "Chemical Brothers". Se trata de un vídeo cuya belleza radica en la sincronía entre música e imagen. No perdáis detalle.

Shadow Of The Colossus

2006-08-03T20:15:00.000+02:00

En el año 2002 el International Production Studio 1 de Sony Computer Entertainment (SCEI) comenzó a desarrollar la secuela de su aclamado juego de culto Ico, bajo el título Nico (amalgama entre el japonés "ni" -dos- e "Ico"). No obstante, el diseñador del famoso juego, Fumito Ueda, no quería una continuación de este. Él y el productor Kenji Kaido apuntaron a un estádar de producción más elevado. Ueda quería una presentación que fuese única y que cambiase el concepto que tanto desarrolladores como jugadores tenían de "jefe final" ("boss"). Así nació el juego que en el año 2005 salió a la venta para PS2 en América y Japón causando un gran impacto entre la crítica y entre los jugadores: Shadow Of The Colossus. Un juego que a nadie dejó indiferente y que no tardó en ser reconocido como un verdadero clásico que sería recordado por todo aquel que lo jugase.

La historia del juego se centra en el joven Wander (nombre no oficial), un muchacho que llega a un templo situado en el centro de un vasto y desolado territorio prohibido, con el objetivo de exigir a un ser aparentemente invisible y superior (Dormin) que devuelva la vida a su amada, la cual está muerta por un motivo que el jugador no llega a conocer. Dejando a la muchacha en el altar, Wander recibe la misión de derrotar a los 16 colosos que pueblan esas tierras para que su petición sea atendida. A partir de aquí descubriremos que el juego es absolutamente inusual en el género de acción/aventura, ya que no hay ciudades ni mazmorras que explorar, no hay enemigos que derrotar aparte de los colosos y no hay personajes con los que interactuar. Además, al igual que Ico, utiliza medios de iluminación singulares y efectos especiales tales como colores desaturados, desenfoque de movimiento, renderizado dinámico de alto rango (HDRR) y, muy destacablemente, el conocido como "bloom effect", todos ellos usados con verdadera maestría. Adicionalmente, los personajes (Dormin, Wander) utilizan un idioma ficticio.

El juego se desarrolla de forma cíclica: Wander comienza en el templo situado en el centro del mapa y parte en busca de un coloso, lo derrota y es teletransportado al punto de partida, así sucesivamente. El joven va equipado únicamente con un arco y una espada mágica; alzando la espada, ésta refleja la luz del sol y despide ocho rayos de luz que van convergiendo según se dirige la espada hacia el punto donde se encuentra el coloso, de modo que se concentran en un único rayo cuando se señala el punto exacto. No obstante, el viaje hacia el coloso no se hace en línea recta o siguiendo un sencillo camino: el terreno del juego es vastísimo y hay que atravesar varios parajes hasta alcanzar a cada enemigo. Éstos se sitúan con frecuencia en lugares poco accesibles, como riscos, grietas profundas, lagos o antiguas ruínas y tienden a estar cada vez más lejos de la zona central. Una vez que se encuentra a un coloso hay que descubrir sus puntos débiles, para lo cual necesitaremos casi siempre sacar partido de toda el área que rodea al gigante y estudiar su comportamiento, pues todos están situados en emplazamientos únicos. Una vez que conseguimos alcanzar el cuerpo del coloso, debemos llevar la espada en ristre, pues sólo sus poderes mágicos nos revelarán los puntos vulnerables de nuestro enemigo, señalados por un notorio símbolo azul. Los cuerpos de los colosos están recubiertos de pelo (incluyendo aquellos de una naturaleza acuática o aérea) en varias zonas, que usaremos para agarrarnos a él mientras el monstruo intenta sacudirnos de encima violentamente (aquí es donde vemos el buen uso que se le da al desenfoque de movimiento); también tiene zonas de piedra por las que podremos escalar y, a veces, reposar unos momentos para recuperar el resuello, pues contamos con un indicador de fatiga que se va vaciando con el tiempo que pasamos sujetándonos a nuestro rival. Atacaremos sus puntos débiles con la espada hasta vaciar su barra de vida (suelen tener varios) y cuidándonos de que no vacíen la nuestra lanzándonos al suelo, pisoteándonos, golpeándonos o incluso lanzándonos rayos. En varias batallas será imprescindible la ayuda de uno de los tres personajes principales del juego: Agro, el caballo de Wander. Necesitaremos su ayuda para perseguir a los enemigos, huir de ellos, correr a su alrededor o saltar hacia alguna parte escalable de su cuerpo. Durante los combates descubriremos otros dos puntos fuertes del juego: el concepto de "mazmorra invertida", que entendemos al recorrer el cuerpo de los colosos, y la banda sonora: orquestal, espectacular y emocionante. Todo lo que vivimos durante los combates nos da la sensación de vivir una película absolutamente intensa.

Otro elemento fundamental es la idea del "héroe solitario" presente en todo el juego: el territorio, como ya dije, es enorme y muy variado, pero la música sólo suena durante los combates, lo cual, junto al hecho de que no existen NPC's, nos deja a solas con el sonido del galope de Agro, del viento y de otros que produzca el jugador, intensificando la sensación de soledad e inmensidad. Tal sensación es otro de los puntos fuertes de Shadow Of The Colossus, pues toda la zona prohibida no está sólo para atravesarla de camino a los colosos, sino que está pensada para que el jugador la recorra libremente disfrutando de sus bellísimos parajes y su evocadora inmensidad; el viaje fue uno de los aspectos en los que se centró el equipo de desarrollo y los resultados son espectaculares, hasta el punto que la recompensa de moverse por estos parajes es el viaje en sí.

En conclusión, estamos ante una verdadera obra maestra que ha marcado un hito en la historia de los videojuegos y que merece la pena ser jugado desde el principio hasta el final, pues la batallas son extraordinariamente emocionantes y todas distintas debido a las diferentes formas, comportamientos, tamaños y áreas que rodean a los colosos. Nunca lucharemos en una batalla teniendo la sensación de haberla vivido ya. Un verdadero imprescindible cargado de emociones sobrecogedoras del que se han dicho cosas como: "The game's aesthetic presentation is unparalleled, by any standard", "Incredible, an amazing experience, an absolute must-have title" y "Possibly the most innovative and visually arresting game of the year for the PS2".

Great Videoclip #2

2006-07-21T20:10:00.000+02:00

Esta vez le toca el turno al grupo de pop británico "Suede", quienes se separaron en el año 2003, por desgracia. Este videoclip corresponde a la canción "The Wild Ones" y posee un gran valor artístico, con unos filtros de color que dan lugar a efectos muy curiosos. No tiene desperdicio.

Wang Wei

2006-07-21T20:07:00.000+02:00

Wang Wei (701-761) fue un poeta, músico, pintor y político chino de la dinastía Tang. Perteneciente a una familia de alta posición social, en 721 pasó el examen de ingreso en el servicio civil, un sector que se encargaba de diversas cuestiones gubernamentales y administrativas. Su carrera en el servicio civil fue brillante hasta el punto de hacerle obtener en 758 el puesto de canciller. Durante la rebelión de An Lushan evitó servir a los insurgentes durante la ocupación de la capital fingiendo que era sordo.

Pasó diez años estudiando con el maestro de Chan (Chan es una de las principales escuelas de budismo mahayana, lo que en Japón y Occidente conocemos como Zen) Daoguang. Tras la muerte de su esposa en el año 730, no se volvió a casar y, siguiendo sus doctrinas budistas, construyó un templo en una parte de los terrenos donde se situaba su casa.

Sus trabajos más conocidos son sus cuartetos relacionados con la naturaleza, especialmente el agua, la niebla, los colores del paisaje, los animales y, escasametne, presencia humana. Hay fuentes que afirman que el poeta chino ratifica la belleza del mundo al tiempo que cuestiona su realidad definitiva. Es una forma de verlo que, yo personalmente, no comparto, aunque en estos momentos sólo he leído una pequeña parte de su obra. Su filosofía Chan tmabién está presente en sus escritos y le lleva a establecer los fundamentos del camino a la iluminación, aunque ésta se alcanza definitivamente de manera inconsciente.

Lamentablemente, hoy en día no se conserva ninguna de sus pinturas originales, aunque han llegado hasta nosotros copias de obras paisajísticas atribuídas a él. Fue un paisajista memorable y tuvo una gran influencia en lo que acabó por llamarse la "Escuela Sureña de Arte Paisajística China". Se sabe que sus pinturas se caracterizaban por fuertes trazos de pincel en contraste con suaves lavados de tinta.

La poesía más famosa de Wang Wei, incluyendo "Parque de los Ciervos" se encuentra recopilada en "The Wang River Collection" y en la antología de edición española "La Montaña Hueca", esta última es la que estoy leyendo yo y es altamente recomendable, pues la traducción se ha llevado a cabo con especial cuidado e incluye cuartetos y octetos en las páginas impares y su versión original en caracteres chinos mas la pronunciación de estos en pinyin en las páginas pares, e incluye los poemas referentes al río Wang. Estos últimos narran el viaje de un poeta (trasposición del propio Wang Wei) y su fiel amigo Pei Dei. No es un simple relato de viaje en verso, sino que su alcance es realmente universal y ha influido e inspirado a generaciones enteras de poetas, incluyendo "Introduction to the Introduction to Wang Wei" de Pain Not Bread, "Replies to Wang Wei" de Barry Gifford o "A River Transformed" de Gary Blankenship. "19 Ways of Looking at Wang Wei" es un excelente ensayo del siglo XIX escrito por Eliot Weinberger y Octavio Paz que trata sobre unas 19 traducciones distintas de los poemas de "Parque de Ciervos". El poema titulado Weicheng Qu o "Canción de la Ciudad de Wei", ha sido adaptado a la famosa melodía Yangguan Sandie o "Tres Refranes del Paso de Yang". La versión más famosa de la canción es aquella que se interpreta en el guqin (pronunciado "ku-shín"), el ancestral instrumento de cuerda chino que podemos ver, por ejemplo, en la película de Zhang Yimou "Hero", siendo tocado por Xu Kuanghua. Seguramente, Wang Wei tocaba este instrumento.

Recomiendo encarecidamente a los aficionados a la lírica que se hagan con una copia de "La Montaña Hueca", pues utiliza rasgos estilísticos y recursos formales que distinguen esta poesía de la que estamos acostumbrados a leer en Occidente, y su contenido es verdaderamente agradable a los sentidos y el espíritu.

Great Videoclip #1

2006-06-16T22:36:00.000+02:00

Esta será la primera entrega de una serie de videoclips interesantes (según mi criterio) que pondré aquí para vuestro disfrute. Empiezo con uno de Oasis titulado The Importance Of Being Idle; simplemente, juzgad por vosotros mismos:

Neil Gaiman

2006-06-10T11:40:00.000+02:00

Neil Richard Gaiman, nacido el 10 de Noviembre de 1960 en Portchester, Hampshire, Inglaterra. Afincado en Menomonie, Wisconsin, USA. Ya hablé brevemente de este admirado judío y de su película Mirrormask en mi primer artículo del blog, pero semejante escritor merece un artículo entero dedicado a su vida y milagros.

Neil Gaiman creció leyendo los trabajos de C.S. Lewis, J.R.R. Tolkkien y G.K. Chesterton. Tras ello se interesó por la ciencia-ficción y leyó a Samuel R. Delany (Nova), Roger Zelazny (Lord Of Light), Harlan Ellison (Star Trek) y, sobretodo, a Gene Wolf, autor del famoso Libro Del Sol Nuevo, una importante tetralogía de libros de ciencia-ficción que recomiendo encarecidamente. También leyó a Thorne Smith, cuyos elementos sobrenaturales inspiraron en parte a Gaiman para su novela Anansi Boys.

A pesar de ser judío, Gaiman fue educado en diversas escuelas de la Iglesia Británica, donde estudió, además de materias académicas, clases de religión. Al mismo tiempo, estudiaba duramente junto a un cantor judío ortodoxo para convertirse en Bar Mitzvah. Esto le valió un amplio conocimiento de la tradición judeo-cristiana notable en sus obras, mayoritariamente en The Sandman. A principios de los 80, trabajó como periodista, realizando entrevistas y críticas de libros como medio para aprender del mundo y hacer contactos, los cuales esperaba que le ayudarían a que sus propios trabajos fuesen publicados algún día. E 1984 escribió su primer libro, una biografía del grupo musical Duran Duran, y Ghastly Beyond Belief, un libro de citas que escribió con Kim Newman. Escribió artículos y entrevistas para numerosas revistas inglesas, incluyendo la pornográfica Knave. A finales de los 80 escribió una guía para el famoso (y recomendable) libro de Douglas Adams Guía Del Autoestopita Galáctico (Hitchiker's Guide To The Galaxy) utilizando lo que él mismo definió como "humor inglés clásico"; el título era Don't Panic: The Official Hitchiker's Guide To The Galaxy Companion. Tras esto, escribió la novela humorística Buenos Presagios con Terry Pratchett (Mundodisco).

Después de trabar una importante amistad con el grandioso Alan Moore (Watchmen, From Hell), Gaiman comenzó a escribir cómics, concretamente para le serie de Miracleman, justo a partir de donde Moore la había dejado. El escritor colaboró en esta tarea con el dibujante Mark Buckingham durante varios números hasta que la editorial, Eclipse Comics, cayó en bancarrota, dejando la serie inacabada. Entonces creó dos novelas gráficas junto a su viejo amigo y colaborador predilecto, el dibujante e ilustrador Dave McKean (Cages), tituladas Violent Cases y Signal To Noise; más recientemente, escribió Mr. Punch, novela gráfica ilustrada por McKean. Luego empezó a trabajar para DC Comics, siendo su primer encargo la serie limitada Orquídea Negra.

Escribió cientos de cómics para muchas editoriales, pero su trabajo más conocido es la magnífica serie The Sandman, que relata las crónicas de Morfeo, encarnación antropomórfica de Sueño, uno de los siete Eternos. Esta serie dio lugar a un pequeño fenómeno cultural, creando un "ejército" de seguidores y haciendo de la novela gráfica un medio respetable para nuevos públicos, ganándose el favor de críticos y aficionados. La serie comenzó en 1987 y terminó en 1996. Los 75 números ed la serie regular se recopilaron en 10 volúmenes que se vendieron y todavía se venden muy bien. Existen también tres "Spin-offs" (cómics protagonizados por personajes que, en la serie principal, son secundarios); uno es Destiny: A Chronicle Of Deaths Foretold (en clara alusión al famoso libro de Gabriel García Márquez, Crónica De Una Muerte Anunciada), y los otros dos son Muerte: Lo Mejor De Tu Vida y Muerte: El Alto Coste De La Vida; Neil ha confirmado que este último está siendo llevado a la "gran pantalla" por New Line Cinema y se está planteando dirigir la película. Tras finalizar la serie, publicó Noches Eternas, novela gráfica que incluye siete relatos breves, cada uno dedicado a un Eterno, incluyendo dibujantes e ilustradores como Frank Quitely, Bill Sienkewicz, P. Craig Russell o Miguelanxo Prado. También escribió la novela breve The Sandman: Los Cazadores De Sueños, bellamente ilustrada por Yoshitaka Amano, más conocido por sus trabajos para la serie de videojuegos Final Fantasy.

En 1989, Gaiman publicó Los Libros De La Magia (recopilada en 1991), una miniserie en cuatro partes que exploraba los elementos más mágicos y mitológicos del universo DC a través de la historia del adolescente inglés Tim Hunter, quien descubre estar destinado a ser el más grandioso mago del mundo (sí, J.K. Rowling no tuvo reparos en calcar a este personaje para dar vida al insufrible Harry Potter, copiando incluso su aspecto físico). La miniserie, de gran éxito comercial, tenía guión de John Ney Rieber aunque la idea original era de Gaiman. El escritor inglés elaboró el guión de la novela gráfica con el mismo título que la serie, que mostraba a cuatro personajes de DC educando a Tim Hunter para que tomara el camino correcto en el uso de la magia; estos personajes formaban la Brigada de la Gabardina (que tiene su propia miniserie, con el mismo nombre que el misterioso equipo), formada por el Fantasma Errante ( Phantom Stranger), que muestra a Hunter el pasado, John Constantine (Hellblazer), que le muestra el presente, Doctor Occult (New Fun Comics, All-Star Squadron), que le muestra los reinos exteriores (Faerie, el Sueño, el Infierno, etc.) y Míster E (Secrets of Haunted House), quien le muestra el futuro. A causa del éxito de la miniserie, DC publicó a partir de 1994 una serie regular con el mismo título hasta el 2000, sólo para dejar paso a la miniserie Hunter: The Age Of Magic, de 25 números que aparecieron entre 2001 y 2003. Tras elló se publicó una nueva miniserie titulada Los Libros De La Magia: Vida En Tiempos De Guerra, que nos muestra a Timothy Hunter ya de adulto y muy evolucionado desde su encuentro con la Brigada de la Gabardina. Según la IMDB, se espera que este año se estrene la película titulada Los Libros De La Magia, basada en la serie que escribió Neil Gaiman.

También escribe poesía, canciones y novelas y en 1997 escribió el guión de la serie televisiva de la BBC Neverwhere, que luego adaptó y transformó en una novela. También escribió el guión de Mirrormask, película que dirige su amigo Dave McKean. También escribió el doblaje al inglés de la película de anime La Princesa Mononoke a partir de una traducción del japonés. Otro de sus trabajos que se planea llevar al cine es la novela Stardust, siendo un filme protagonizado por Robert DeNiro y Michelle Pfeiffer y dirigido por Matthew Vaughn. También se está trabajando en la adaptación de su famosa novela Coraline dirigida por Henry Selick.

Gaiman es miembro e inversor activo del Comic Book Legal Defense Fund y colabora con ellos creando material para obtener ganancias como Snow, Glass, Apples y el libro Gods And Tulips, del cual el CBLDF posee los derechos.

En Febrero de 2001, tras completar la novela American Gods, se creó una web oficial para promocionarla que incluía un blog (mucho antes de que éstos se hicieran populares) en el que Gaiman iba contando el "día a día" de la publicación y promoción de la novela. Tras la publicación, el website se convirtió en la página oficial de Neil Gaiman, en la que siguió utilizando el blog para hablar acerca de sus diversos trabajos. El blog original de American Gods fue extraído para la colección de miscelánea de Gaiman de la NESFA Press llamada Adventures In The Dream Trade.

Escribió tres esbozos de guión para la adaptación cinematográfica de la novela de Nicholson Baker The Fermata para el director Robert Zemeckis (Regreso Al Futuro); no obstante el proyecto ha quedado paralizado a raíz de la película de Zemeckis Polar Express y de la película Beowulf escrita por Gaiman y Roger Avary; Beowulf será una película de captura de movimientos protagonizada por Ray Winstone y Angelina Jolie cuyo estreno está previsto para Octubre de 2007.

Gaiman mantiene una fuerte amistad con la cantante Tori Amos, lo cual surgió cuando la artista envió al escritor una maqueta de su álbum Little Earthquakes. A raíz de ésto, ella hace referencias a Gaiman en una canción de cada uno de sus álbums, a veces de forma muy críptica. El inglés escribió los prólogos de varios de los programas de las giras de la artista, así como relatos breves para sus álbums Strange Little Girls y Scarlet's Walk. Amos escribió e interpretó una canción titulada Where's Neil When You Need Him?, la cual da título a un álbum en la que la cantante, junto con otros dieciséis artistas rinden tributo a Gaiman, cantando acerca de sus historias o personajes preferidos creados por el escritor inglés.

Neil también es amigo del escritor de ciencia-ficción J. Michael Straczynski, creador de la serie de televisión Babylon 5; en la serie existe una raza alienígena conocida como los Gaim, cuyo aspecto recuerda al yelmo del Morfeo de Gaiman. No obstante, Straczynski afirma que el diseño de estas criaturas está inspirado en las máscaras de gas utilizadas en la Segunda Guerra Mundial, aunque el propio Gaiman se inspiró en la máscara que usaba el Sandman original de DC, que era precisamente una máscara anti-gas de la mencionada guerra. El genial escritor inglés es, además, la única persona aparte del propio Straczynski que escribió algún capítulo para la serie Babylon 5, escribiendo capítulos para las tres últimas temporadas de la serie, entre ellos el de la 5ª temporada Day Of The Dead. Además escribió el prólogo del primer volumen de Rising Stars de Straczynski.

En el año 2002, Neil Gaiman ganó un pleito contra Todd McFarlane (creador, pero no escritor de Spawn y Sam & Twitch) que involucraba a tres personajes secundarios de Spawn: Cogliostro, Medieval Spawn y Angela. En 1991, McFarlane había pedido a Neil Gaiman, Frank Miller (Sin City) y Dave Sim (Cerebus The Aardvark) que escribieran un número de Spawn para él. Durante el proceso, Gaiman creó a los mencionados personajes. McFarlane dijo que, con ello, Gaiman no se involucraba en ningún asunto con los derechos, pero más tarde aseguró que el trabajo del inglés había sido por contrato y que todas las creaciones del escritor le pertenecían a él completamente; además McFarlane se negó a pagarle por los volúmenes que había escrito y que se continuaban publicando. Gaiman venció en un juicio de envergadura al americano y la empresa Image Comics. Esta batalla legal fue apoyada en buena parte por Marvels and Miracles LLC, que fue creada por Gaiman para encargarse de los asuntos legales concernientes a Miracleman. En el 2003, Gaiman escribió Marvel 1602 para aportar fondos a este proyecto. Todos los beneficios que Marvel Comics obtiene por esto van a parar a Marvels and Miracles.

En el 2005 publicó simultáneamente a nivel mundial la novela Anansi Boys. La historia gira en torno a Anansi, un secundario en American Gods, que muere al comienzo de la novela. La trama esxplica cómo sus hijos, uno semi-divino y otro un inglés que desconoce sus orígenes, comienzan a descubrir su verdadera herencia común. Entró directamente al número uno de la lista de "bestsellers" del New York Times. Existe también una recopliación de sus mejores relatos breves titulada Humo Y Espejos.

Este año está trabajando en un "remake" de Los Eternos de Jack Kirby.

Neil Gaiman es uno de los Invitados de Honor para Orbital 2008, la "British National Science Fiction convention", que se celebrará en Londres en Marzo de 2008. Es uno de los escasos escritores que han sido Invitados de Honor dos veces, junto otros como John Brunner o Bob Shaw.

El escritor inglés, al igual que Terry Pratchett, tiene una importante fuente de inspiración en William Shakespeare. Numerosas alusiones a la obra del gran maestro inglés tienen lugar en Anansi Boys, donde aparecen algunas líneas de Hamlet y la situación del protagonista es a menudo comparada con la de Macbeth. En The Sandman, el propio Shakespeare aparece en tres historias, pues debe cumplir un acuerdo con Morfeo: el rey de los sueños le concede el don de la escritura a cambio de que cree para él dos obras de teatro que celebren la existencia de los sueños. El resultado es la creación de Sueño De Una Noche De Verano y La Tempestad. Curiosamente, este último cierra la serie The Sandman, además de haber sido la última obra de teatro que Shakespeare escribió solo.

Premios:

World Fantasy Award en 1991 por Sueño De Una Noche De Verano.
Hugo Award y Nebula Award en el año 2002 por American Gods.
Hugo Award en el 2003 por su novela Coraline.
Hugo Award en 2004 por su relato breve A study In Emerald.
13 Eisner Awards por diversos cómics, 2 Nebula Awards y tres World Horror Awards.
Mythopoetic Award por Stardust.
Comics' Buyer's Guide Award en la categoría de Escritor Preferido en 1992 y 1993 y recibió nominaciones en 1997, 1998, 1999 y 2000.
Ganó el Squiddy Award de los "comics fans in the rec.arts.comics newsgroups" al Mejor Escritor durante 5 años seguidos, del '90 al '94. También se le nominó para esa categoría a lo largo de toda la década de los '90.

Enlaces:

Web oficial de Neil Gaiman (aquí podéis encontrar su blog y relatos exclusivos).
Información acerca de la serie The Sandman.
Neilgaimania (en italiano).
Datos de Neil Gaiman en The Guardian.

Mandolina

2006-06-09T16:26:00.000+02:00

La mandolina es un instrumento de cuerda de origen italiano que dispone de diversas disposiciones de cuerdas, normalmente entre ocho y doce, aunque la más extendida hoy en día es la mandolina napolitana, que tiene cuatro cuerdas dobles afinadas como el violín (sol-re-la-mi). Estas cuerdas serán pulsadas con una púa o plectro. El cuerpo del instrumento tiene forma oval, más bien similar a una lágrima, con una caja de resonancia cóncava o plana y un agujero de sonido circular o dos agujeros en forma de "f" similares a los del violín. El mástil posee un diapasón dividido en trastes y pede ser plano o ligeramente curvado (como el de una guitarra). Tiene un puente en el cuerpo al que se unen las cuerdas de la misma manera que en una guitarra, y posee una cejuela plana al final del mástil. Como en los demás instrumentos de este tipo, la pala posee clavijeros utilizados para afinar las cuerdas.

El instrumento predecesor es la mandola, aparecida en Italia a finales del siglo XVI. Se empleó el término mandolino por primera vez en 1634 para referirse a una variante más pequeña de la mandola y que dio lugar al instrumento del cual trata este artículo. Se empezaron a construir mandolinas de forma regular durante el siglo XVII; el Museo Stradivariano de Cremona (Italia) conserva planos de construcción de tal instrumento con anotaciones del mismísimo Antonio Stradivari. A partir de finales del siglo XVII empiezan a ser utilizadas por grandes compositores como Antonio Vivaldi, Wolfgang Amadeus Mozart, Nicolo Paganini y Ludwig Van Beethoven.

En la actualidad, la mandolina está muy extendida en el folk británico e irlandés, en el country y bluegrass americanos, e incluso en el choro y la samba brasileños y en diversos países sudamericanos. En España ha sido sustituida por la bandurria y no es utilizada en nuestra música tradicional. Recientemente se ha comenzado a utilizar en la música Carnática hindú de la mano de U.Shrinivas, sufriendo diversas modificaciones para adaptarla a las exigencias de este tipo de música. El creciente interés centroeuropeo en el bluegrass ha convertido a la mandolina en un instrumento muy popular en lugares como la República Checa y la República Eslovaca. En Grecia, es uno de los instrumentos principales de la música cretense, junto con la lira y el laúd.

Algunos mandolinistas famosos son: Bill Monroe, David Grisman, Mike Marshall, Sam Bush, Nic Zuppardi, Chris Thile, Mike Compton, Cas Davey, Simon Mayor y Tim Ware, todos ellos revolucionarios del instrumento al introducirlo en diversos géneros musicales modernos tales como el bluegrass, newgrass o el jazz. Mandolinistas eléctricos conocidos son, por ejemplo, Nash The Slash y Todd McDonald del grupo folk The Winks. Mandolinistas reconocidos del pasado son: Samuel Adelstein, Samuel Siegel, Valentine Abt, Giuseppe Pettine, Aubrey Stauffer y Willian Place Jr. de Estados Unidos; Raffaele Calace, Silvio Ranieri, Laurent Fantauzzi, Carlo Munier de Italia y Hugo D'Alton del Reino Unido.

Algunas variantes de la mandolina:

Mandola: utilizada en E.E.U.U., Canadá y diversos lugares de Europa (donde se la llama mandola tenor) como Irlanda y el Reino Unido. Está afinada un quinto tono por debajo de la mandolina, de la misma manera que lo está la viola respecto al violín.
Mandolina octava: utilizada también en E.E.U.U., Canadá, Gran Bretaña e Irlanda. Está afinada a un octavo por debajo de la mandolina. Normalmente mide 20 pulgadas (500 mm) a lo largo, aunque las hay tan cortas que miden 17 pulgadas o lo bastante largas como para medir 21.
Mandocello: suele afinarse a un octavo mas un quinto por debajo de la mandolina, de la misma manera que se afina el cello respecto al violín. Acostumbra a medir 25 pulgadas (635 mm).
Mandolina piccola o sopranino: se afina un octavo por encima de la mandola tenor y un cuarto por encima de la mandolina. Es la misma relación que existe entre el violín piccolo o sopranino y el violín y la viola. Suelen medir 9'5 pulgadas (240 mm).
Cítara: la cítara moderna forma parte también de la familia de las mandolinas, siendo generalmente un instrumento de 10 cuerdas (5 dobles) que mide entre 20 y 22 pulgadas. Se suele afinar según los esquemas DGDAD o GDADA y es básicamente una mandolina octava con una doble cuerda más.

El bouzouki irlandés también es considerado un instrumento de la familia de la mandolina, a pesar de sus diferencias.

Enlaces útiles:

Music Genome Project

2006-06-04T19:41:00.000+02:00

Un grupo de grandes aficionados a la música ha tenido la bondad de crear el Music Genome Project, que consiste en reunir toda la música que puedan, analizarla y asociar unos grupos a otros siguiendo un criterio de características comunes. El resultado es Pandora, una especie de emisora de radio en la que el usuario puede, registrándose o no, introducir el nombre de un grupo o canción, con lo que el programa lo encontrará y seleccionará otros grupos que hagan una música similar a la del nuestro. Siempre podemos marcar la opción de "esto no me gusta" para descartarlo o pasar a la siguiente canción que el programa haya seleccionado para nosotros. Ofrece la posibilidad de comprar las canciones a través iTunes o comprar los álbums en Amazon, además de darnos la posibilidad de crear una página con nuestras canciones preferidas, para tenerlas siempre localizables. De esta manera, podemos crear las emisoras que queramos, de forma totalmente personalizable. Lo ideal es registrarse, que es gratis, ya que así podremos acceder a nuestra cuenta desde cualquier pc, con nuestras emisoras personalizadas (hasta 100 distintas). Se puede acceder a un registro de pago que elimina la publicidad, pero no sé hasta qué punto compensa. Sea como sea, si os gusta la música y queréis abarcar una amplia selección de música acorde con vuestros gustos, probadlo y registraos gratuitamente, no lo lamentaréis.

http://pandora.com/

Spirit Of Wonder

2006-05-29T20:03:00.001+02:00

Esta mañana me he pasado varias horas en la biblioteca González Garcés de A Coruña y he tenido el privilegio de leer, entre otras cosas, los tres tomos del manga de Spirit Of Wonder.

Kenji Tsuruta nos sumerge en un mundo encantador donde extraños inventos científicos y situaciones disparatadas están a la orden del día. Los dos primeros tomos recogen una serie de historias breves entrelazadas con dos hilos argumentales principales: uno de ellos trata sobre el Scientific Boys' Club, formado por un grupo de viejos inventores que llevan toda la vida soñando con ir a Marte y que, más que en su vejez, se encuentran en su segunda juventud, revitalizados por la posibilidad de conseguir su objetivo; el otro, situado unos 15 años en el futuro, nos cuenta la historia de un padre, su hija y un colega científico y un poco pervertido que utilizan su barco y un batiscafo para investigar los restos sumergidos de la costa de la prefectura de Shizuoka, inundada al igual que otras zonas de Japón (incluyendo Tokyo) a causa del cambio climático en nuestros días. El tercer tomo cuenta un único hilo argumental ininterrumpido que tiene lugar en el restaurante con hospedaje de la encantadora pero susceptible Miss China, que tiene como inquilinos al excéntrico Doctor Breckenridge y su ayudante Jim, quienes le deben varios meses de alquiler porque se gastan todo su dinero en sus experimentos, los cuales suelen provocar destrozos en la casa que desatan la furia de la bella China. Los disparatados inventos de Breckenridge, junto con las situaciones a las que estos dan lugar y el romance entre China y Jim, crean una historia entrañable que enternecerá a los aficionados al género.

Toda la serie tiene un trasfondo de ciencia-ficción que tiene muy poco de lo primero y mucho de lo segundo, pero que resulta agradable debido a que las situaciones que se derivan resultan divertidas y los personajes se ven involucrados en ellas de manera hilarante. De hecho, los personajes son otro de los puntos fuertes del manga: los principales tienen mucha energía, le ponen mucho ánimo a lo que hacen y viven sus emociones con intensidad, con lo que se les coge cariño rápidamente. El dibujo es muy bueno y muy agradable a la vista, con un cierto toque clásico, pero sin ser anticuado; representa las acciones con toda la energía que le ponen los personajes, y eso en el tercer volumen es mucho. Las historias no son nada extraordinario, pero son bonitas si te gustan la ciencia ficción y las situaciones ligeramente surrealistas. Lo que me decepcionó bastante fue el final del tercer tomo, que me parece demasiado frívolo y me dejó bastante frío, la verdad.

Existen también 5 OVAs recopilados en un pack de 2 DVD's que cuentan la historia del Scientific Boys' Club y Miss China, con alguna alteraciones e historias nuevas que no existían en el manga. Todos los episodios intentan emocionar al espectador de alguna manera, apoyándose en un aspecto visual de buena calidad y una bonita banda sonora instrumental, aunque el dibujo no es tan bueno como en la serie original.

En resumidas cuentas: un manga entrañable con personajes carismáticos y situaciones inolvidables, la mayor parte situadas cerca de Bristol en los años 50, que hará las delicias de los amantes de la ciencia-ficción blanda.

Aldous Huxley

2006-05-29T17:44:00.000+02:00

Aldous Leonard Huxley (1894-1963), nacido en Gran Bretaña y emigrado a EEUU, perteneció a una familia famosa por las brillantes mentes científicas de varios de sus miembros. Conocido sobretodo por sus novelas y ensayos, Aldous Huxley también escribió ampliamente en los campos de la poesía, relato breve, literatura de viajes e incluso guiones e historias para películas.

En sus novelas y ensayos, Huxley analiza y critica diversos factores e ideas sociales, morales y posibles aplicaciones incorrectas de la ciencia. Considerado un filósofo "humanista", en los últimos años de su vida se interesó por temas místicos, tales como la parapsicología o la filosofía mística, y se le consideró un "líder del pensamiento moderno".

Algunas de sus novelas más famosas son:

-Point Counter Point (1928)
-Brave New World (1932) (en español, Mundo Perfecto)
-Eyeless in Gaza (1936)
-Ape and Essence (1948)

Relatos breves:

-Limbo (1920)
-Mortal Coils (1922)
-Little Mexican (1924)
-Two or Three Graces (1926)
-Brief Candles (1930)
-The Young Arquimedes
-Jacob's Hands; A Fable (1930)
-Collected Short Stories (1957)

Poesía:

-The Burning Wheel (1916)
-Jonah (1917)
-The Defeat of Youth (1918)
-Leda (1920)
-Arabia Infelix (1929)
-The Cicadias and Other Poems (1931)
-First Philosopher's Song

Literatura de viajes:

-Along The Road (1925)
-Jesting Pilate (1926)
-Beyond the Mexique Bay (1934)

Algunos ensayos importantes:

-Tomorrow and Tomorrow and Tomorrow (1952)
-The Doors of Perception (1954)
-Heaven and Hell (1956)
-Brave New World Revisited (1958)

Curiosamente, escribió un cuento infantil:

-The Crows of Pearblossom

Si os gustan la filosofía y las novelas de ideas, este es vuestro hombre. Yo he tenido la oportunidad de leer un fragmento realmente interesante de Point Counter Point, su principal novela de ideas, en versión original, y da gusto leerlo; no es lo que llamamos "fácil de leer", pero para los que estén acostumbrados a la filosofía y puedan entender y analizar razonamientos complejos con estructuras gramaticalmente complicadas, este libro es un placer. También es muy recomendable para aquellos que se dejan fascinar por la filosofía de Nietzsche.

"LaMaupin"

2006-04-22T19:34:00.000+02:00

Continuando con la serie de entradas acerca de espadachines memorables, hoy le toca el turno a Julie D'Aubigny (1670-1707), también conocida como Emilie o Madeleine D'Abigny y como "LaMaupin".

Julie era hija de Gaston D'Aubigny, secretario del conde de Armagnac, Maestro Real de Caballería del rey Luis XIV de Francia. Su padre le enseñó a leer, escribir, dibujar, bailar y la instruyó en esgrima. Cuando era una adolescente, pasó a estar bajo la protección del conde de Armagnac, gracias a lo cual fue presentada en sociedad. El conde la hizo casar con el señor Maupin, de Saint-Germain-en-Lave. Su marido obtuvo un puesto de administrativo fuera de París, pero ella prefirió permanecer en la ciudad.

En los años siguientes, Julie "LaMaupin" se labró una reputación de mujer salvaje que golpeaba a tenderos y se enzarzaba en duelos con jóvenes aristócratas; en 1685 entró a formar parte de la academia de música de Pierre Gaultier y debutó en el teatro como Mademoiselle D'Aubigny; en esta época también mantuvo una aventura con un hombre llamado Serannes. En 1688, cuando el teniente general de la policía, Nicolas-Gabriel de La Reynie, buscaba a Serannes para arrestarlo por matar a un hombre en un duelo ilegal, la pareja huyó de París a Marsella. En esta ciudad se ganaban la vida haciendo exhibiciones de esgrima y cantando y contando historias en tabernas. D'Aubigny comenzó a vestir ropa de hombre, pero sin intentar ocultar su género, lo que despertó un gran interés en ella; un día, en el transcurso de una de sus exhibiciones, un espectador que no estaba convencido de su feminidad la acusó de ser un hombre: Julie, sobre el escenario, le respondió rasgando ampliamente su camisa, despejando al instante toda duda al respecto.

Pasado algún tiempo, se cansó de Serannes y lo dejó, para enamorarse perdidamente de una joven muchacha cuyos padres, para desgracia de "LaMaupin", la internaron en un convento. No obstante, en una impetuosa muestra de magnífico heroismo romántico, Julie se metió en el convento, cogió el cadáver de una monja y lo puso en la cama de su amada, para luego prender fuego a la habitación y huir del convento con su dama en los brazos. Su relación duró tres meses, al cabo de los cuales la joven amante de Julie volvió a casa de sus padres y al convento. Triste final para una relación tan intensa como la que mantuvieron. D'Aubigny fue juzgada in absentia con los cargos de secuestro, exhumación de cadáveres, incendio intencionado y ausencia en el tribunal. La joven espadachina huyó y, cerca de Poitiers, conoció a un viejo músico que le dio lecciones de canto y música hasta que su alcoholismo hizo empeorar su salud y la muchacha tuvo que marcharse a París, donde volvió a ganarse la vida cantando vestida como un hombre.

En su viaje a Villeperdue, se enfrentó en duelo a tres hombres, atravesando con su florete el hombro de uno de ellos. Al día siguiente, preguntó por su estado de salud y se enteró de que era Louis-Joseph d'Albert Luynes, hijo del duque de Luynes. La noche siguiente, ella se presentó en su habitación vestida de mujer y se hicieron amantes. Sin embargo, cuando el muchacho se recuperó, tuvo que volver a su unidad en el ejército y la joven Julie partió a Rouen. Allí conoció a un cantante llamado Gabriel-Vincent Thévenard y tuvieron una aventura amorosa; junto a él, volvió a París. Antes de llegar, en Marais, contactó con su protector, el conde de Armagnac, quien convenció al rey de que anulara la sentencia que pesaba sobre ella. En 1690, llegaron por fin a París, donde Thévenard logró ser contratado por la Ópera. Julie comenzó a usar el seudónimo Mademoiselle Maupin. Se hizo amiga del cantante Bouvard, quien convenció a Jean Nicolas Francin, maestro de la residencia del rey, para que la aceptase en la Ópera parisina. Debutó interpretando a Palas Atenea en "Cadmus et Hermione" y se ganó la admiración del público. Comenzó una nueva aventura amorosa con un cantante conocido como Rochois y, posteriormente, mantuvo otros romances y anfrentamientos tanto con actores como con actrices de la Ópera. También llegó a convertirse en duelista profesional.

En 1693 (a la edad de 23 años) fue invitada a un baile nocturno de máscaras en la Corte, a la que acudió con un precioso a la par que elegante traje de hombre de color carmesí. Allí se sintió cautivada por una hermosa dama, con la que bailó intentando seducirla; en un momento dado, Julie besó a la mujer, a quien no le sentó muy bien el atrevimiento y avisó a tres nobles caballeros amigos suyos para defenderla de tal ultraje. Julie los desafió a enfrentarse a ella en duelo... los tres a un tiempo. Los hombres aceptaron y la acompañaron al exterior, a un callejón mal iluminado por un farol; la falta de visión dificultaba enormemente la tarea de los duelistas, mas "LaMaupin" los derrotó a los tres rápidamente y con fulminante certeza, hiriéndolos de gravedad, tras lo cual volvió al baile sin ninguna preocupación. Este enfrentamiento, no obstante, era un desafío a la ley del rey que prohibía los duelos callejeros, con lo cual se vio obligada a huir a Bruselas, donde esperaría por tiempos más tranquilos.

Durante un breve período se convirtió en doncella deMaximilian Emanuel, uno de los Príncipes Electores de Baviera. En 1698 regresó a París para reanudar su carrera musical y se reconcilió con su marido, con quien vivió hasta la muerte. Se retiró de la Ópera en 1705.

D'Artagnan

2006-02-18T13:12:00.000+01:00

Todos conocemos este nombre gracias a la famosa novela de Alexandre Dumas "Los Tres Mosqueteros", motivo por el que se suele considerar a D'Artagnan un personaje de ficción. No obstante, existió un soldado memorable entre las filas de los mosqueteros del rey de Francia en el siglo XVII que respondía a este nombre y que inspiró el personaje de Dumas.

El D'Artagan histórico nació en 1615 en Gascuña. Las gentes del lugar eran consideradas "miserables en grado sumo". El muchacho se apellidaba Batz, que pasaría a ser Batz-Castelmore al heredar su padre la finca de ese nombre, situada entre Armagnac y Fezensac.Bertrand de Batz tuvo cinco hijos y tres hijas. Tanto el hijo mayor como el benjamín se llamaban Charles. El mayor se alistó en los mosqueteros en 1633 y murió poco después. El más joven (el que inspiró a Dumas) partió hacia París en 1638; en la novela lo hace en 1625, cuando el auténtico sólo contaba 10 años. Sus compañeros de aventuras, no obstante, son bastante realistas:

-Aramis (Henry D'Aramitz) era un escudero y sacerdote laico, sobrino de M. de Tresvilles (Treville en la novela), el capitán de los mosqueteros.

-Athos (Armand de Sillegue, señor de Athos, hijo del primo de Treville) fue muerto en un duelo antes de que D'Artagnan se alistara.

-Porthos (Isaac de Portou) llegó a París un año antes que D'Artagnan y, al principio, fue rechazado por los mosqueteros hasta que demostró su valía en un regimiento distinto y, finalmente, lo aceptaron en 1643.

-Milady DeWinter no era Anne de Breuil, duquesa de Winter, sino la condesa de Carlisle, quien, en efecto, fuera agente secreto al servicio del cardenal Richelieu y había robado dos gemelos de diamantes del duque de Buckingham.

D'Artagnan era un valiente soldado que volvió de su primera salida con un agujero de bala en el sombrero y otros tres en distintas partes del uniforme. Destacó en varios asedios entre 1640 y 1642, con lo que se ganó una reputación de "hombre impetuoso, de amante de la acción por la acción y de embarcarse en cualquier aventura que pudiera justificarse como servidora del honor de Francia". Tras la disolución de los mosqueteros en 1646, fue nombrado agente confidencial del cardenal Mazarin, sucesor de Richelieu y viajó en su nombre a Alemania, Italia e Inglaterra. Amante de la justicia, buen diplomático, pero nunca cortesano, D'Artagnan era un consumado espadachín, probablemente mejor de lo que Dumas dice en su novela. En los sesenta y siete capítulos de "Los Tres Mosqueteros", sólo se batía en cuatro duelos. Uno de ellos lo gana debido más debido a la torpeza de su rival, Bernajoux, quien se ensarta a sí mismo en su espada. En otro se limita a desarmar al barón y otro le son necesarias tres estocadas para acabar con su enemigo. Únicamente en el primer combate, contra De Jussac de la Guardia del Cardenal se muestra como diestro espadachín. El D'Artagnan histórico acabó al mando de los mosqueteros del rey, "el puesto más codiciado de Francia", pero su vida privada fue desatrosa. Se había casado a los 40 años, pero abandonó a su esposa a causa de su carrera y a los seis años se separaron sin descendencia. En 1672 se convirtió en gobernador de Lille, y un año después fue muerto en el asedio de Maastricht. A los dos días encontraron su cuerpo con una bala de mosquete en la garganta. En su testamento, D'Artagnan dejó "dos espadas, una con guarnición de oro sin pulir y empuñadura de latón; la otra, de acero negro".

Así termina la vida del más famoso mosquetero, quien habría sido, junto con todo el cuerpo de mosqueteros, una nota a pie de página en la historia de no ser por el gran escritor Alexandre Dumas y las novelas que escribió narrando las aventuras de "Los Tres Mosqueteros". En la próxima entrada, seguimos en la Francia del siglo XVII, con una de las espadachinas más formidables de la historia, que vivió una vida apasionada y llena de escándalos: Julie LaMaupin. Salud.

El Admirable Crichton

2006-02-10T19:51:00.000+01:00

Esta es la primera entrada de una serie dedicada a espedachines famosos, tanto reales como ficticios. Describiré aquí sus aventuras y desventuras, con la esperanza de que conzcáis mejor a los grandes hombres y mujeres que dedicaron su vida a la espada y contribuyerin a la esgrima con su talento excepcional y sus historias llenas de proezas.
En el siglo XVI, en pleno Renacimiento, los duelistas de éxito se granjearon cierta reputación y la habilidad de derrotar a numerosos oponentes se convirtió en símbolo de honor. Uno de los más grandes de esos duelistas fue el escocés James Crichton (c. 1560-1583), nacido de familia noble, prodigioso en cuerpo y mente hasta el punto de que a los veinte años hablaba con perfecta soltura once lenguas. Era también ducho en el baile, el canto y "toda clase de instrumentos" según Sir Thomas Urquhart, su primer y no muy fidedigno biógrafo. Se sabe, a través de retratos de la época, que Crichton era un hombre apuesto. Le apasionaban las justas, los naipes, los conciertos, los dados, el tenis y "tenía tanta memoria que cualquier cosa que oyera o leyera podía reproducirla sin un error... No eran menos notables sus logros como esgrimista o como jinete". En 1577 inició un viaje por Europa. En la Universidad de París, un grupo de estudiantes colgó en la puerta principal de la facultad de Navarre que rezaba: "Si queréis encontrar a este Monstruo de la Perfección, buscadle ya sea en la taberna o en el burdel: es la forma más rápida de hallarle". El día designado, se le examinó desde las nueve de la mañana a las seis de la tarde ante un gran número de espectadores y actuó de forma tan absolutamente brillante que, desde entonces, se le conoció para el resto de sus días como "Crichton el Admirable". Al día siguiente, arrasó en una justa de competición en el Louvre.
Sirvió en el ejército francés durante dos años y viajó a Génova, donde logró una reputación de brillante orador; se trasladó a Mantua en 1582, donde vivía un temido bravucón italiano. Viajaba por Europa retando a quien quisiera enfrentársele por una suma de 500 pistolas (monedas de dos escudos) de oro -unas 400 libras de entonces, una cifra impresionante-: el equivalente a unas 150.000 libras de hoy en día, lo que equivale aproximadamente a 250.000 dólares. Cuando Crichton llegó a Mantua, el bravucón había derrotado a tres oponentes locales en tres días, matando al primero atravesándole la garganta, al segundo con una estocada directa al corazón y al tercero perforándole el vientre. El duque de Mantua sentía "profundo pesar" por haberle garantizado su protección a semejante elemento. Al enterarse Crichton de tales sentimientos del duque, se ofreció ante él para luchar contra el bruto en presencia de la corte de Mantua. El duque dio su consentimiento, se eligieron espadas roperas de la misma longitud y "el inicio del duelo se señaló disparando una bala de 30 kilos". Ambos rivales combatieron en camisa y calzones con los pies descalzos. Crichton recurrió sin pensárselo dos veces a la defensa, mientras que su contendiente -por increíble que parezca, no ha quedado constancia de su nombre- recurrió a la totalidad de su repertorio, mas en vano. Además, la dulzura del semblante de Crichton, en marcado contraste con los rabiosos jadeos de su oponente, cautivó a la corte y produjo un enorme revuelo entre las damas (se dijo que dos de ellas se desvanecieron). El público advirtió que el italiano estaba comenzando a cansarse, momento en el que Crichton por fin recurrió al ataque, alcanzando deliberadamente a su oponente en garganta, corazón y vientre, de manera que cada estocada imitó una de las fatales heridas que infligiera el bravucón a cada uno de los tres hombres que lucharan por última vez contra él, y cada una de ellas le acercó más a la muerte. Al concluir el asunto, Crichton entregó la espada de su oponente al duque y el dinero del premio a las tres viudas. El duque recompensó a Crichton haciéndole tutor y compañero de su disoluto hijo Vincenzo, "un joven de temperamento ingobernable".
Unas semanas después, Crichton regresaba de una visita nocturna a una dama amiga, cuando le asaltaron unos camorristas que protegían sus rostros con máscaras. Como era de esperar, se defendió con magnifica eficacia, desarmando al cabecilla, quien tuvo que quitarse la máscara y suplicar por su vida. Era Vincenzo. Crichton cayó de rodillas, expresando su pesar explicando que había actuado en defensa propia. Le tendió la espada a su discípulo con la empuñadura hacia delante. Vincenzo la blandió y, sintiéndose humillado ante su séquito, se la clavó a su mentor. De esta forma murió el Admirable Crichton, sin haber alcanzado los veinticuatro años de edad.
Una verdadera lástima la muerte de este duelista, pues sin duda le aguardaba un brillante futuro en todo aquello a lo que se dedicaba. Imaginaos a lo que podía haber llegado.
Hasta aquí la primera entrada de grandes espadachines. La próxima también será acerca de un personaje histórico, aunque no dejaremos de lado a grandes duelistas de ficción como Íñigo Montoya y su mayor rival, el pirata Roberts o el capitán Blood. Salud.

El Lago De Los Cisnes

2005-12-31T14:44:00.002+01:00

Piotr Ilyich Tchaikovsky hizo su entrada en el panorama musical posromántico de forma bastante desgraciada, pues la crítica le atacó rabiosamente, calificando sus obras de ser de mal gusto e incluso atacando a su persona, ignorando su talento innato para la composición instrumental y sus excelentes aptitudes para la música sinfónica. Fue el mismísimo Stravinsky quien, aprovechando su autoridad, saltó en defensa del compositor ruso defendiendo estas cualidades, manifestando de todos modos su acuerdo con las afirmaciones de la morbosidad de algunas secuencias musicales compuestas por Tchaikovsky.

Su obra se compone de canciones, cantatas (incluyendo la famosa Oda a la Alegría), música coral, óperas (Don Giovanni de Mozart le marcó desde muy joven), música de cámara, música concertante, composiciones para piano, música orquestal (sinfonías, suites, oberturas, etc.), algunas composiciones incidentales y tres ballets: La Bella Durmiente, El Cascanueces y El Lago De Los Cisnes. Este último es el primero que compuso y es el que analizaremos a continuación.
Compuesto entre Agosto de 1875 y Abril de 1876, nació como un encargo de la Dirección Imperial de los Teatros de Moscú. Tchaikovsky aceptó el trabajo con poco entusiasmo y con la única intención de ganar un dinero que le hacía mucha falta, aunque tenía ganas de probar su talento en el terreno del ballet, género en el que aún no se había estrenado. Para este trabajo empleó una música de ámbito privado que había compuesto para los hijos de su hermana Alexandra Davidova.
Esta música es de una variedad y sutileza remarcables; la coherencia se logra por medio de diversos motivos conductores y las danzas características crean una progresión que hace avanzar la acción dramática que llega a alcanzar una fuerza trágica totalmente inesperada para el panorama de la danza decimonónica.

El estreno tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú el 20 de Febrero de 1877. El fracaso fue rotundo. La culpa la tuvieron Semen Riabov, director de orquesta y Reisinger, escenógrafo, que eran bastante torpes en su trabajo. Como si eso no bastara, Riabov desnaturalizó la creación de Tchaikovsky por considerarla demasiado compleja y procedió a la amputación de diversos fragmentos e introdujo números de ballet simples con origen en un repertioro más que trillado. Tras la muerte del compositor, siguieron más adaptaciones de la obra a manos de su hermano Modest y el director de orquesta italiano Riccardo Drigo.

Sinopsis

Acto I. Alemania. Edad Media (momento indeterminado). El príncipe Siegfried celebra su vigesimoprimer cumpleaños con sus amigos en el jardín de su castillo. Los pastores danzan un vals de bienvenida en su honor. La importancia del día es incuestionable, pues no sólo cumple la mayoría de edad, sino que además su madre (la reina) y la corte han decidido transmitirle la regencia del reino. No obstante, Siegfried se muestra reacio a asumir tales responsabilidades, pues para él la vida en la corte es insulsa y agobiante; para más inri, su madre decide casarlo cuanto antes, permitiéndole escoger una esposa en la gran fiesta que tendrá lugar al día siguiente. Para huir de las frívolas responsabilidades que es obligado a asumir, el príncipe decide huir a través de contactos en la población campesina y se reúne con los jóvenes del pueblo; mas entonces aparece su madre, recordándole que no debe demorar por más tiempo sus responsabilidades. La solemnidad del momento se ve acompañada por el vuelo de una bandada de cisnes que les sobrevuelan, sobrecogiendo a Siegfried por el simbolismo de la escena: él quisiera ser libre como las aves. Deciden él y su amigo Brenno ir de caza.
Acto II. En el bosque junto a un lago. Los cazadores se adentran en la floresta mientras el príncipe permanece cabe la orilla del lago. Los cisnes se deslizan con elegancia sobre las aguas, sorprendiendo a Siegfried al revelar su verdadera forma: se trata de jóvenes y hermosas doncellas hechizadas que sólo pueden mostrar su condición humana tras el ocaso. Una bellísima doncella llamada Odette (a la derecha, interpretada por la bailarina francesa Sophie Parcen) le suplica que detenga la caza. Al instante se sienten apasionadamente atraidos y se enamoran. La joven le cuenta cómo el mago Rotbart las hechizó a ella y sus amigas, conmoviendo profundamente a Siegfried. No obstante, existe una fórmula que puede romper el hechizo: si un hombre amase profundamente a Odette y la pretendiera honestamente en matrimonio y se mantuviera constante en su amor por ella sin dejar de amarla ni fijarse en otra mujer, el hechizo se rompería y tanto Odette como las demás doncellas recuperarían para siempre su forma humana. Sigfrido jura ser el hombre que ame a la muchacha para romper el hechizo y promete fidelidad a su amor. Por ello le pide a Odette que acuda al gran baile que se celebrará el día siguiente, para que pueda escogerla como esposa. Sin embargo, oculto en unas ruinas cercanas bajo la forma de un búho, el despiadado Rotbart lo ha escuchado todo y planea un engaño para evitar que su hechizo sea roto y, por tanto, su poder desafiado. Mientras tanto, las muchachas rodean a los amantes e inician una dulce danza hasta que las luces del alba iluminan el lago y las doncellas vuelven a su condición de cisnes, separándose forzosa y tristemente Siegfried y Odette.
Acto III. Salón de baile del castillo. Acude una multitud de familias nobles y acomodadas, presentándole al príncipe a sus hijas casaderas, con el consecuente rechazo por parte de éste, que tiene claro que escogerá a la doncella-cisne. Su apatía irrita a la reina y ofende a los invitados, mas no puede evitar pensar en su amada, que todavía no ha llegado. Y en medio de la fiesta, el mismísimo Rotbart, disfrazado como uno de los aristócratas invitados, acude al príncipe para presentarle a una dulce muchacha. Se trata de su propia hija, Odile, mas el mago hechiza a Siegfried de manera que cree ver a Odette en la persona de Odile. La artimaña tiene éxito y la fiesta continúa con una serie de danzas, en las cuales participa la hija del mago, llevando a cabo una danza de seducción. Totalmente sumido en el engaño de Rotbart, el joven príncipe escoge a la que él cree Odette y jura desposarla y amarla para siempre. Tras haberlo hecho, el cruel mago deshace la ilusión para que Siegfried caiga en la cuenta de su error. Odette lo ha visto todo y, sin saber que todo fue obra del mago, corre al lago en busca de sus amigas, ya que, de todos modos, el hechizo no se romperá por la traición del príncipe, quien sale en su busca rápidamente.
Acto IV. El lago. Odette y sus amigas se lamentan por su aciago destino y éstas intentan consolarla por el desamor de su amado. Tiene lugar en este momento la exquisita melodía de la Danza de las Jóvenes-cisne. Rotbart, haciendo alarde de poder, desencadena una poderosa tormenta para retrasar el avance de Siegfried, que está llegando al lago. El joven príncipe pide perdón a su amada, impidiéndole reunirse con sus amigas, que han ido a resguardarse a las ruinas cercanas. Odette, le revela que, debido a su traición, el joven no podrá romper el hechizo y no podrán volver a verse. Siegfried, empeñado en demostrarle su inocencia le dice que su única prueba de amor sólo puede ser su disposición a sacrificar la vida por ella. Así, el príncipe lucha violentamente contra Rotbart en la orilla del lago, mas las aguas crecen y Odette empieza a agonizar. De esta manera, Siegfried deja la lucha para acudir a ella y abrazarla, pero la princesa de los cisnes blancos muere de pena en sus brazos y los amantes son anegados por las aguas. Tras la tragedia, la tormenta se calma y desaparece y las doncellas, ahora convertidas en cisne por la llegada del nuevo día, se posan y se deslizan sobre las aguas del lago, iluminadas por el alba.

Así de triste es el final de esta hermosa obra de danza posromántica de incuestionable calidad y de impetuosa y sublime música, que en el Acto IV alcanza una arrebatadora apoteosis como nunca se ha visto en un ballet. Si estáis interesados en adquirir una grabación, os recomiendo la de Seiji Ozawa, fácil de encontrar en cualquier comercio, dirigiendo a la Sinfónica de Boston, quienes tocan la composición con admirable exactitud y la pasión necesaria para una interpretación digna de esta obra; el libreto incluye un análisis técnico claro y bien organizado. Si os interesa este último aspecto de la obra os recomiendo este enlace: http://www.salikon.dk/loom_swan_lake_guide.html. Es un análisis semejante al de la grabación de Seiji Ozawa, pero en inglés. Está en un sitio web dedicado a Loom, una hermosa y pionera aventura gráfica inspirada por la música de El Lago De Los Cisnes.

Ian Miller

2005-12-14T03:07:00.000+01:00

Aquellos que seais fans de Tolkien, seguramente tenéis en vuestra estantería un preciado tesoro llamado "Bestiario De Tolkien". Si es así, entonces ya conocéis a Ian Miller, impresionante y misterioso ilustrador (realizó las ilustraciones de cubierta y muchas interiores, tales como las de los dragones, los balrogs, los tumularios, el reino de Belegost, etc.). Pues si queréis más arte de este gran hombre visitad www.ianmilller.org y maravillaos con su arte. En general es todo muy oscuro y ciertas ilustraciones llegan a deprimir hasta límites insospechados, por no mencionar que realizó ilustraciones capaces de llevar a uno hasta el borde de la locura. Pero es un artista fascinante y en su página web podréis ver varios de los diseños que hizo para la película "Cool World" (sí, sí, aquella tan mítica que mezclaba actores y decorados reales con dibujos animados protagonizada por Hampton Clanton en 1964), además de arte para libros, Warhammer, Magic: The Gathering, etc. No tiene desperdicio, aunque se echan de menos muchas ilustraciones suyas realmente buenas. Habrá que buscar en la red.

Maus

2005-12-09T18:52:00.001+01:00

A todos nos hace ilusión que nos hagan regalos de cumpleaños, auqnue sea sólo por el detalle de que alguien se acuerde de nosotros. La intención es lo que más valor tiene, pero si además de eso el regalo es útil, pues mejor todavía. A mí me han hecho muchos regalos de cumpleaños, pero pocos tan fantásticos como Maus de Art Spiegelman. Una obra maestra sin igual, la única novela gráfica que ha recibido un premio Pulitzer.

Se trata de la hisotria de Vladek Spiegelman, padre del autor, que era judío y nació y creció en Polonia. Sufrió en sus carnes el holocausto nazi, viendo cómo toda su familia desaparecía a su alrededor y viviendo el infierno del campo de exterminio de Auschwitz/Birkenau. Las vivencias de este hombre le dejaron marcado para toda su vida, cosa que vemos en los momentos del relato que se desarrollan en la época en la que Art dibujó el libro. Y es que Maus tiene un estilo narrativo que realmente merece el premio: Art Spiegelman se dibuja a sí mismo y a su familia en la época en la que recopilaba información para el libro, charlando con su padre y tomando notas o usando una grabadora para conservar la historia y relatarla con detalle y precisión en la novela gráfica. Así, vemos la relación que mantienen Art y Vladek, las secuelas que le quedaron a este último, su vida en los últimos años que le quedaban antes de morir y, al mismo tiempo, asistimos al relato en primera persona de Vladek, quien nos cuenta cómo fue su vida antes, durante y después de Auschwitz. El realismo, el detalle y la crudeza del relato no tienen parangón. Es considerada por muchos la mejor narración de los hechos del holocausto que se ha realizado, debido, precisamente, a esa forma de relatar, ese estilo periodístico objetivo y a su fidelidad total a la realidad. Nunca vimos los horrores de Auschwitz con tanta claridad e impacto como en Maus, incluso teniendo en cuenta la obra maestra cinematográfica La Lista De Schindler de Steven Spielberg, que ya nos mostró la pesadilla que vivieron los judíos a manos de los nazis. Se suma a esto una simbología de impacto visual fortísimo e inmediato: los judíos son dibujados como ratones y los alemanes como gatos. Está claro, ¿no? Además, el hecho de que a los franceses se los represente como ranas me parece que no tiene precio, si se me permite señalarlo como un detalle de humor reconfortante en medio de tan angustiosa tragedia.

Así, desde aquí, te invito a leerlo, pues es imprescindible incluso para aquellos que no son aficionados al mundo de la novela gráfica. Al fin y al cabo, la mejor manera de evitar que se repita una pesadilla como el holocausto nazi es no olvidar el que ya tuvo lugar. Hazte con una copia porque te va a gustar, y es que, como ya dijo Umberto Eco (El Nombre De La Rosa), el libro es conmovedor y, al terminarlo, uno se siente triste por haber abandonado el mundo de Maus.

Música mexicana

2005-10-07T21:05:00.000+02:00

Acaba de salir el primer album de Chingón, el grupo musical mexicano que formó el director de cine Robert Rodríguez ( "El Mariachi", "Desperado", "Sin City", "Abierto Hasta El Amanecer", etc.). Suena de maravilla, mezclando tradición mexicana con rock actual. Sus canciones están llenas de ritmo y calidez y resultan muy agradables si te gusta el rock y la música latina. Incluso a aquellos a lso que no les gusta la música en español les encantará escuchar temas como "Malagueña Salerosa", "Cielito Lindo" o "Siente Mi Amor" (este último tema interpretado por Salma Hayek). Si os interesa podéis escuchar unos samples y comprar el disco en www.chingonmusic.com. También podéis ver una actuación en vivo en los contenidos extra del DVD de Kill Bill Vol.2, gran película. En breve saldrá un DVD con actuaciones en vivo del grupo, incluyendo la que yo acabo de mencionar aquí. Que los disfruteis.

Deviant Art

2005-09-13T20:08:00.000+02:00

Este es el nombre de una interesante página web que está hecha para que artistas de todo tipo se promocionen y puedan vender sus obras. Se pueden encontrar poetas, narradores, novelistas, artistas gráficos digitales, pintores y artesanos. Merece mucho la pena y seguro que teodo el mundo encuentra allí algo que le guste. Entra en www.deviantart.com y lo comprobarás.

Yo también quisiera promocionarme y vender mi arte allí, pero mucho me temo que todavía no estoy al nivel de los artistas de esa web, puesto que son aunténticos "pros" y algunos ya han editado sus propios artbooks. Así que tendré que seguir mejorando con el Bryce, el Photoshop, el Freehand y un largo etcétera de programas de diseño gráfico, retoque fotográfico, ilustración vectorial y ese tipo de cosas. Quizá haga un máster de infografía y multimedia y un curso de Preimpresión en artes gráficas, me encantaría, la verdad, y aunque yo trabajo por amor al arte, la verdad es que ganar dinero a través de mis obras es algo que me ilusiona mucho. Saber que hay gente dispuesta a gastar su dinero ganado duramente en algo que he hecho yo sólo porque les parece hermoso... Ah, ¡qué gran sensación! Ya la experimenté en un par de ocasiones, pero a pequeña escala. Me gustaría convertirme en un artista a mayor escala y con cierta fama. Al fin y al cabo, poara vivir completamente hay que alcanzar la tercera vida, claro que hoy en día eso no es del todo respetable, dependiendo de quién y cómo lo haga.

En fin, visitad la web y no os arrepentiréis. Saludos.

Mirrormask

2005-09-05T03:00:00.000+02:00

Este mes se estrena en USA "Mirrormask", una maravillosa película de fantasía en la línea de "El Cristal Oscuro" y "Dentro Del Laberinto" que es todo un deleite para la vista. El director es el famoso ilustrador Dave McKean. Pero lo realmente prometedor es el guionista: Neil Gaiman. Escritor magnífico, creador de "The Sandman" y autor de "American Gods" además de una serie de relatos y novelas de las que podeís obtener información en www.neilgaiman.com. Gaiman está considerado como el mejor narrador de nuestro tiempo y sus historias fascinan a millones de personas en todo el mundo, incluido yo. Una buena muestra de su obra es "Humo y Espejos", antología de relatos cortos muy bien escogidos y "Buenos Presagios", novela escrita por él y Terry Pratchett, famoso creador de "Mundodisco". Gaiman también es amigo de Douglas Adams, ídolo de masas en el Imperio y autor de "La Guía Del Autoestopista Galáctico", divertidísima obra repleta de locuras y parodias de ciencia-ficción con un sentido del humor totalmente inglés (a veces recuerda un poco a Monty Python).

En cuanto a "Mirrormask", no tiene fecha de estreno en España, pero esperemos que llegue por Navidad, porque merece mucho la pena verla. Para ir abriendo boca lo mejor es ver el trailer disponible en www.mirrormask.com. Echadle un vistazo, seguro que os gusta.

Si os interesa ver más de la obra de este genial escritor, preguntad en la librería especializada más cercana por sus obras en cómic, que son, básicamente, las de "The Sandman" y adentraos en el reino de los sueños.

Apertura

2005-09-01T17:45:00.000+02:00

En este momento se abren las puertas del Gran Salón Victoriano de Sylvestro Buccelli. Este blog se guía por una sola norma: el buen gusto. No es mi único blog, pero desde luego, será el más refinado y cuidado de los que tengo. Tan sólo espero que la gente que lo visite lo encuentre agradable y serio, pero no en exceso, ya que, por muy elegante que intente ser su presentación, nunca está de más mantener la familiaridad con el visitante. A partir de ahora comienza a funcionar esta "sala". Disfrutadla, damas y caballeros.